第四单元第1课 身临其境 教学设计-2025-2026学年人教版初中美术七年级上册

该初中美术教学设计聚焦舞台布景设计核心要素，通过“剧场情境”提问导入，梳理传统戏曲（如“一桌二椅”）与现代话剧（如《茶馆》）布景特征，构建从定义、作用到设计要素的知识脉络，为实践制作铺垫。 此资料亮点在于融合审美感知（赏析传统与现代布景，感知色彩造型等元素）、创意实践（小组用废旧材料制作《西游记》场景模型）、文化理解（戏曲布景传承创新），多元评价提升学生审美与动手能力，为教师提供清晰教学路径，助力核心素养落地。

教学设计 第1课 身临其境 学科 美术 年级 七年级 学段 初中 版本章节 人教版第四单元 教学目标 本课围绕审美感知、艺术表现、创意实践、文化理解四大核心素养展开教学。审美感知上，引导学生赏析传统戏曲与现代话剧的舞台布景，感知色彩、造型、空间等设计元素的审美价值，建立对舞台美术的审美认知。艺术表现方面，让学生探究舞台布景设计规律，运用美术语言构思设计方案，以草图、模型等形式呈现设计思路，提升艺术表达能力。创意实践中，鼓励学生小组合作，利用多样材料设计制作舞台布景模型，锻炼动手与创新能力。文化理解上，通过了解不同时期舞台布景的传承与创新，感受传统美学内涵，理解舞台美术与生活、文化的关联，增强文化自信与多元文化理解。 重难点 教学重点为让学生理解舞台布景设计的核心作用，掌握戏曲与话剧舞台布景的艺术特征，知晓不同历史时期戏曲舞台布景在传承基础上的创新方式，体会话剧布景对现实生活的映射作用；同时让学生掌握舞台布景设计的基本要素与方法，能结合具体戏剧情境进行简单的布景设计构思。教学难点是引导学生真正理解 “舞台美术是生活与艺术的结合” 这一核心内涵，将舞台布景的理论知识转化为实际操作能力，根据选定的戏剧主题与风格，合理运用材料和设计技巧，设计制作出贴合情境、兼具创意与美感的舞台布景模型，实现设计理念与实物制作的有效融合。 教材分析 本课隶属于人教版美术七年级上册第四单元，融合 “造型・表现” 与 “欣赏・评述” 两大学习领域，是舞台美术设计单元的开篇课，为后续角色造型设计奠定基础。教材以 “情境交融” 为核心，以舞台布景为切入点，将美术与戏剧文化有机结合，精选元代帷幔、明清 “一桌二椅”、现代手绘及高科技舞台布景等案例，兼顾传统与现代、戏曲与话剧。教材内容设计由欣赏到实践、由理论到操作，层层递进，既注重引导学生感受舞台美术的文化底蕴，又强调动手实践能力的培养，契合七年级学生的认知特点与美术学习规律，助力学生理解艺术与生活的关联，提升综合美术素养。 教学准备 教师需提前制作教学课件，整合戏曲《牡丹亭》《杨门女将》、话剧《茶馆》《天下第一楼》等经典舞台布景的图片、视频片段，以及元代至现代舞台布景的发展资料、设计案例分析任务单。准备舞台布景模型制作的示范作品，涵盖不同风格与材料的范例，便于学生直观参考。学生需准备草稿纸、水彩笔、马克笔等绘图工具，以及废旧纸盒、饮料瓶、卡纸、布料、毛线、胶带、剪刀等手工制作材料，也可自备手电筒等能模拟舞台灯光效果的小物件。同时，教师需合理划分学习小组，布置课前预习任务，让学生简单了解常见的戏剧类型与舞台场景，为课堂学习做好铺垫。 教学过程 一、课程导入：走进舞台美术的世界 当我们坐在剧场中，被戏剧的剧情牵动情绪时，除了演员的精彩表演，还有什么元素让我们仿佛置身于故事的场景之中？是古朴的桌椅道具，是色彩斑斓的背景画面，是变幻的灯光效果，这些都是舞台美术设计的魅力所在。舞台美术就像戏剧的 “外衣”，用视觉语言为我们搭建起一个个鲜活的故事场景，让我们身临其境。 本节课我们将一同走进舞台美术设计的第一课《身临其境》，去探索舞台布景的奥秘，了解它如何营造情境、传递剧情，又如何将生活与艺术完美融合。在接下来的学习中，我们会欣赏不同风格的舞台布景设计，探究其设计规律，还会亲手动手制作属于自己的舞台布景模型，感受创作的乐趣。 二、新知讲解：认识舞台布景设计 （一）舞台布景的定义与作用 舞台布景是舞台美术的核心组成部分，是为戏剧、话剧等舞台演出打造的视觉环境，它通过道具、背景、色彩、造型、空间布局等多种美术元素的组合，为演出构建特定的时间与空间场景。其核心作用体现在三个方面：一是创设情境，利用不同的设计元素营造出与剧情相匹配的氛围，比如悲剧的阴暗压抑、喜剧的明亮欢快；二是辅助表演，为演员的动作、走位提供合理的空间与道具支撑，让表演更具真实感；三是引导观众，通过视觉线索传递剧情信息、塑造人物背景，帮助观众快速代入剧情，理解故事内容。 简单来说，好的舞台布景能让观众无需台词，就能从视觉上感受到故事的时代背景、人物处境，真正实现 “身临其境” 的观演体验。 （二）舞台布景的发展与分类 舞台布景的发展历经了漫长的过程，不同的时代、不同的艺术形式，造就了风格迥异的舞台布景设计。我们主要从中国传统戏曲舞台布景和现代话剧舞台布景两大类别来了解，感受传统与现代的碰撞，传承与创新的融合。 中国传统戏曲舞台布景 中国戏曲的舞台布景有着鲜明的民族特色，遵循 “简约写意” 的美学理念，从元代到现代，在传承中不断创新。元代的帷幔设计是戏曲布景的早期形式，以《山西省洪洞县明应王殿壁画》为代表，通过简单的帷幔色彩与布置营造神秘、古朴的舞台氛围，用简约的视觉元素勾勒场景轮廓，注重氛围的烘托。 明清时期，戏曲布景发展出经典的 “一桌二椅” 设计，以昆剧《牡丹亭》为代表，这是戏曲布景写意之美的极致体现。一张桌子、两把椅子，通过演员的表演与走位，可化身书房的案几、家中的堂桌、战场上的帅台，甚至是高山河流，极具象征性。这种设计摒弃了繁琐的实景，将想象的空间留给观众，依靠演员与道具的配合传递复杂的戏剧情境，是中国传统美学 “以简驭繁” 的完美体现。 到了现代，戏曲舞台布景在传承传统写意精髓的基础上不断创新，出现了手绘舞台布景与高科技舞台特效相结合的形式。如京剧《杨门女将》的手绘布景，用细腻的笔触、丰富的色彩还原战场的壮阔，让舞台视觉效果更生动；昆剧《浮生六记》则融入了投影、动态布景等高科技手段，突破了传统舞台的空间限制，营造出多维的沉浸感，让传统戏曲的舞台表现更具现代魅力。 现代话剧舞台布景 与戏曲的写意不同，话剧的舞台布景以写实为核心特点，注重对现实生活场景的真实还原，通过细腻的布景设计反映社会风貌与生活百态。话剧布景的设计紧扣剧情，从建筑风格、家具摆放、道具细节等方面，精准还原特定时代、特定地域的生活场景，让观众仿佛置身于真实的生活之中。 比如话剧《茶馆》，其布景设计细腻还原了旧时北京茶馆的全貌，八仙桌、长凳、鸟笼、墙上的字画，甚至墙角的茶渍、张贴的告示，都高度贴合清末民初的社会背景，通过这些细节，生动展现了当时社会各阶层的生活状态；话剧《天下第一楼》则以写实的手法重现了老字号烤鸭店 “福聚德” 的内部场景，灶台、餐桌、挂着的烤鸭模型，让观众直观感受到老北京的饮食文化与市井生活，布景成为了展现剧情与社会背景的重要载体。 （三）舞台布景设计的核心要素 无论是写意的戏曲布景，还是写实的话剧布景，优秀的设计都离不开核心美术要素的巧妙运用，掌握这些要素，是我们进行舞台布景设计的基础。 色彩：色彩是营造氛围的关键，不同的色彩能传递不同的情感与信息。暖色调如红、黄、橙，可营造热烈、欢快、温馨的氛围，适用于喜剧、团圆的场景；冷色调如蓝、绿、紫，能表现冷清、压抑、悲伤的情绪，适合悲剧、离别等情境；而黑、白、灰等无彩色则常用于营造古朴、庄重的氛围，是传统戏曲布景中常用的色彩搭配。 造型：造型包括布景的整体轮廓、道具的形状、空间的布局等，分为具象造型与抽象造型。话剧布景多采用具象造型，还原生活中的真实形态；戏曲布景则常运用抽象造型，通过简约的线条与形状传递象征意义，比如用弯曲的线条代表河流，用直立的立柱代表高山。 空间：舞台的空间是有限的，布景设计需要合理规划舞台的前后、左右、上下空间，利用层次营造出视觉的纵深感。比如通过前景的道具、中景的背景、后景的装饰，让舞台空间更丰富；也可通过高低错落的道具摆放，区分不同的场景区域，让观众清晰感知剧情的空间变化。 材料：材料的选择直接影响舞台布景的质感与效果。传统布景常用木材、布料、纸张等天然材料，营造古朴的质感；现代布景则融合了塑料、金属、光影材料等，甚至利用废旧材料进行创意设计，既环保又能打造出独特的视觉效果，这也是我们后续实践中会重点运用的方式。 三、案例赏析：探究舞台布景的传承与创新 接下来我们通过具体的案例分析，深入感受不同舞台布景的设计巧思，探究其传承与创新的规律，体会舞台布景如何反映生活、表达文化内涵。 （一）戏曲舞台布景案例赏析 我们以元代帷幔设计、明清 “一桌二椅”、现代《杨门女将》手绘布景、《浮生六记》高科技布景为核心案例，从设计特点、优点、局限性、传承与创新的关系四个方面进行分析。 元代帷幔设计以色彩和简单的布置营造氛围，简约又神秘，能快速让观众进入戏曲的情境之中，但其缺乏细节和层次感，对场景的表现力有限，创新也多集中在氛围营造上，是戏曲布景的基础雏形。 明清 “一桌二椅” 设计将写意之美发挥到极致，极简的道具却具有极强的象征性，能表现出复杂的场景变化，还能充分发挥演员的表演能力，这一设计传承了元代简约的理念，创新则体现在象征性的设计手法上，成为中国戏曲布景的经典范式。 现代手绘舞台布景如《杨门女将》，在传承传统戏曲布景写意内核的基础上，融入了细腻的绘画技巧，色彩丰富、视觉效果生动，布景的灵活性也更强，能根据剧情需要打造不同的场景，但制作过程相对复杂，对绘画技巧有较高要求。 昆剧《浮生六记》的高科技舞台布景，是传统与现代融合的典范，它保留了昆曲的写意美学，将传统的山水、园林元素通过投影、动态特效等高科技手段呈现，突破了传统舞台的空间限制，营造出沉浸式的视觉体验，让观众有全新的观演感受，但其技术成本较高，对舞台设备有一定要求。 从这些案例中我们能发现，中国戏曲舞台布景的发展，始终传承着 “写意” 的核心美学，创新则体现在表现形式、材料运用、技术手段上，在保留文化内核的基础上，不断适应时代的审美与观众的需求。 （二）话剧舞台布景案例赏析 话剧布景的核心是 “写实”，我们以《茶馆》和《天下第一楼》为例，分析其如何通过布景设计反映现实生活。《茶馆》的布景以清末民初的北京茶馆为原型，从整体的建筑结构到细节的道具摆放，都高度还原了当时的生活场景，墙上的 “莫谈国事” 标语、角落的烟袋、桌上的茶碗，这些细节不仅让场景更真实，更折射出当时的社会环境，展现了社会各阶层的生存状态。 《天下第一楼》则聚焦于老北京的餐饮行业，布景还原了 “福聚德” 烤鸭店的后厨、堂食区域，灶台、烤炉、挂着的烤鸭、食客的桌椅，每一个细节都贴合老北京的饮食文化与市井生活，通过布景让观众感受到当时的商业氛围与人间百态。这两部话剧的布景设计，都是从现实生活中汲取灵感，将生活场景艺术化地呈现在舞台上，让观众在观演中感受到生活的真实与温度，这也印证了 “舞台美术是生活与艺术的结合” 这一核心内涵。 在赏析的过程中，大家可以思考两个问题：一是这些舞台布景运用了哪些核心设计要素？二是它们是如何将生活元素转化为艺术设计的？带着这些思考，我们能更好地理解舞台布景设计的本质。 四、实践指导：舞台布景模型的设计与制作 欣赏了这么多优秀的舞台布景案例，接下来我们就要动手实践，小组合作设计并制作舞台布景模型。这一环节我们将把所学的理论知识转化为实际操作能力，感受创意实践的乐趣，同时体会团队合作的重要性。 （一）实践主题与要求 本次实践我们选择大家熟悉的《西游记》中的一个场景作为设计主题，比如 “花果山美猴王出世”“三打白骨精”“女儿国奇遇” 等。要求每组选定一个具体场景，结合场景的剧情氛围，运用所学的舞台布景设计要素，设计并制作一个小型舞台布景模型；模型要贴合剧情，突出场景的特色，合理运用色彩、造型、空间布局；尽量利用身边的废旧材料进行制作，做到环保创意；小组分工明确，每个人都参与到设计、制作的过程中。 （二）设计步骤 构思与讨论：小组内围绕选定的《西游记》场景展开讨论，确定场景的核心氛围、关键道具与空间布局，比如 “花果山” 的氛围是欢快、灵动的，核心道具有桃树、水帘洞、石猴的宝座等，空间上可设计前景的桃树、中景的水帘洞、后景的群山。讨论后确定整体的设计思路，明确每个人的分工。 绘制草图：根据讨论的结果，用草稿纸和绘图工具绘制舞台布景的设计草图，标注出各个部分的尺寸、色彩、材料，草图要清晰呈现出布景的整体造型与细节设计，这是制作的重要依据。 材料准备与加工：根据草图的要求，对准备的废旧材料、手工材料进行加工，比如将废旧纸盒裁剪成山石、宝座的形状，用布料制作水帘洞的水帘，用卡纸剪出桃树、云朵等造型，对材料进行涂色、拼接等处理，打造出所需的道具与背景。 组装与调整：将加工好的各个部分按照设计草图进行组装，合理规划舞台的空间，摆放道具、搭建背景，营造出空间的层次感。组装完成后，整体观察模型，对色彩、造型、空间布局进行调整，让模型的视觉效果更完美，贴合剧情氛围。 （三）制作技巧与注意事项 色彩搭配技巧：根据场景的氛围选择主色调，比如 “三打白骨精” 的氛围紧张、诡异，可选用黑、灰、暗绿等冷色调为主；“女儿国” 的氛围柔美、温婉，可选用粉、蓝、浅绿等柔和的色彩。色彩搭配要简洁协调，避免过于杂乱。 造型制作技巧：制作道具造型时，要抓住核心特征，比如孙悟空的金箍棒要突出细长、金色的特征，白骨精的洞府要突出阴森、破旧的特征，无需追求极致的逼真，重在表现场景的特色。利用废旧材料时，可通过折叠、裁剪、粘贴等方式改变其形状，打造出独特的造型。 空间布局技巧：利用高低错落的方式营造纵深感，比如将高大的山石、树木放在后景，矮小的道具放在前景；也可通过遮挡的方式，让布景更有层次感，比如用水帘洞的水帘遮挡部分洞府，营造神秘的感觉。 安全注意事项：使用剪刀、美工刀等工具时，要注意操作安全，避免划伤；粘贴材料时，选择环保的胶带、胶水，保持制作环境的整洁；小组合作时，相互配合，避免因操作不当损坏材料或模型。 （四）教师指导与答疑 在大家设计、制作的过程中，教师会巡回指导，针对各小组的设计思路、制作技巧进行答疑与建议。如果大家在色彩搭配、造型制作、空间布局等方面遇到问题，可及时向教师请教，也可在小组内相互探讨，共同解决问题。教师会重点关注各小组的分工与合作情况，确保每个人都能参与其中，同时鼓励大家大胆创新，在符合剧情的基础上，加入自己的创意想法，让每个模型都具有独特的个性。 五、作品展示与评价 当各小组的舞台布景模型制作完成后，我们将进行作品展示与评价环节，这是对大家学习成果的检验，也是相互交流、相互学习的过程。 （一）作品展示 每组推选一名代表，上台展示本小组的舞台布景模型，介绍设计思路、选定的场景、运用的设计要素、使用的材料，以及制作过程中的创意与心得。展示时要将模型摆放至显眼位置，清晰地向大家展示模型的整体造型、细节设计与空间布局，让同学们能直观感受作品的特色。 （二）多元评价 本次评价采用学生自评、小组互评、教师评价相结合的多元评价方式，从设计创意、贴合剧情、制作工艺、团队合作四个维度进行评价，每个维度设置不同的星级，综合评定作品的等级。 学生自评：各小组结合制作过程与最终作品，对自己的设计、制作进行评价，说说作品的优点与不足，以及在制作过程中学到的知识与技能，反思自己在团队合作中的表现。 小组互评：各小组相互观看作品，从客观的角度评价其他小组的作品，说出自己认为的优点，也可提出合理的改进建议，在评价中学习他人的设计巧思与制作技巧。 教师评价：教师对各小组的作品进行综合评价，肯定大家的创意与努力，指出作品中的亮点与不足，针对设计要素的运用、制作工艺的提升给出具体的建议；同时评价各小组的团队合作情况，鼓励大家在后续的学习中继续保持合作精神。 在评价的过程中，我们要注重过程而非结果，无论作品的好坏，只要大家认真参与、积极思考、大胆实践，就是最大的收获。通过评价，我们能发现自己的问题，学习他人的长处，进一步提升舞台布景设计的能力。 六、课程总结与拓展 （一）课程总结 本节课我们一同走进了舞台布景设计的世界，认识了舞台布景的定义、作用与发展历程，掌握了色彩、造型、空间、材料四大核心设计要素；通过赏析戏曲与话剧的经典案例，探究了舞台布景的传承与创新规律，深刻理解了 “舞台美术是生活与艺术的结合” 这一核心内涵；更重要的是，我们通过小组合作，动手设计并制作了《西游记》场景的舞台布景模型，将理论知识转化为实际操作能力，锻炼了创意实践与团队合作能力。 舞台美术设计不是简单的道具堆砌，而是对生活的艺术提炼，是文化与情感的表达。中国的舞台布景，从传统戏曲的写意之美到现代话剧的写实之真，再到传统与现代融合的创新之美，始终扎根于生活，传承着文化，这也是我们学习舞台美术设计的核心意义 —— 学会从生活中发现美、创造美，用美术语言表达自己的想法与情感，增强文化自信。 （二）课程拓展 生活观察：课后大家可以多观察身边的生活场景，比如街边的小店、家中的客厅、公园的景色，思考这些场景如何能转化为舞台布景的设计元素，培养从生活中汲取创作灵感的能力。 经典赏析：利用课余时间观看经典的戏曲、话剧演出，或者相关的舞台布景设计图片、视频，积累更多的设计案例，提升自己的审美感知能力。 创意升级：对本节课制作的舞台布景模型进行创意升级，比如加入灯光效果、增加人物小模型，让模型更生动、更贴合剧情，进一步锻炼自己的创意实践能力。 跨学科探究：结合语文、历史学科的知识，探究不同时代、不同文学作品中的场景特点，尝试为自己喜欢的课文、故事设计舞台布景，实现跨学科的融合学习。 舞台美术设计的世界充满无限可能，本节课只是一个起点，希望大家能带着本节课的收获，继续探索舞台美术的奥秘，用创意和双手打造更多精彩的舞台场景，在美术的世界中不断成长、不断收获。 学科网（北京）股份有限公司 学科网（北京）股份有限公司 学科网（北京）股份有限公司 学科网（北京）股份有限公司 学科网（北京）股份有限公司 $