第14课 人性的崛起——文艺复兴美术 课件-2025-2026学年高中美术人教版（2019）美术鉴赏

高一美术 个 人 ”文艺复兴“的原意是“在古代规范的影响下，艺术和文学的复兴”。其变化的思想基础就是关怀人、尊重人、以人为本的世界观。 文艺复兴时期 画家 中世纪后期，随着因经商致富的城市中产阶级的兴起，对宗教狂热了一千年的欧洲人，重新燃起了对世俗生活的热情。他们捡起了被遗忘已久的古希腊罗马时代的人文、哲学思想，开始用理性的眼光审视信仰的意义，肯定人在现实世界的价值，从而开启了一场长达两个世纪的文艺复兴运动。 Works of Art Exhibition CONTENTS 目 录 01. 波提切利 03. 拉斐尔 02. 丢勒 波提切利 在15世纪的意大利，由美第奇家族资助的佛罗伦萨画派，长期引领着具体的美学倾向，铸就了文艺复兴的辉煌时刻。作为一个画家，在一个群星闪耀的时代中、在一个大师云集的城市里，桑德罗•波提切里能够毫不逊色地占据一席之地，并在历史的书页间承前启后，就足以证明其过人的天赋与才华。 01. 在15世纪的意大利，由美第奇家族资助的佛罗伦萨画派，长期引领着具体的美学倾向，铸就了文艺复兴的辉煌时刻。作为一个画家，在一个群星闪耀的时代中、在一个大师云集的城市里，桑德罗•波提切里能够毫不逊色地占据一席之地，并在历史的书页间承前启后，就足以证明其过人的天赋与才华。 《春》的构图不拘常规，人物被安排在一片柑橘林中，中间是爱神维纳斯，她的上方是其蒙着双眼的儿子小爱神丘比特，右边画的则是西风之神强暴了森林女神（大地女神或春神）克罗丽斯，克罗丽斯因此化身为花神芙萝拉的古希腊传说。在维纳斯的左面是美惠三女神，画的最左面则站着信差使者莫丘里。 这幅画的金主是当时佛罗伦萨的当权者，梅第奇家族的罗伦佐。富可敌国的他为了拓展家族的政治地位，安排了他的侄子罗伦佐狄皮尔法兰奇斯柯与敌对家族的女儿瑟末拉德的婚姻。《春》正是他为这场婚姻而请波提切利作的委托画。因而，《春》的主题理所当然的选择了爱恋。但这是一场政治婚姻，毫无恋爱上的美感，所以波提切利就做了这样一幅画。 《春》这幅作品，又被称为《维纳斯的盛世》。在中世纪的宗教绘画中，一般只有圣母玛利亚才被安排在拱型之下。波提切利在这里借用了这种形式，在维纳斯身后，波提切利利用树枝与背景天空将树型有意识的留出了这样的一个拱型。深色的背景树林，恰好在她的周围豁然开朗，突出了维纳斯主角的地位。她左手提着衣裙，右手稍微举起，仪态端庄、典雅。 名称：《诽谤》 作者：波提切利 创作时间：1495年 尺寸：62X91cm 类别：蛋彩画 收藏： 佛罗伦萨乌菲齐博物馆 谁是诽谤谁是真理—— 波提切利《诽谤》 波提切利曾是美第奇家族最得宠但御用画家，1492年，权倾一时但树敌无数但洛伦佐去世，美第奇家族遭遇流放，宗教极端分子萨沃纳罗拉掌权，波提切利随之投靠新的当权者，还曾在臭名昭著的“虚荣的篝火”中焚烧过自己的画作。然而没过多久，萨沃纳罗拉也遭到陷害，美第奇家族卷土重来，波提切利因背叛美第奇家族，他的命运也就可想而知了。 《诽谤》在历史上是一件真实的事件，发生在公元前四世纪的古希腊。希腊著名讽刺作家路吉·阿诺斯在其著作中记录了这桩诽谤陷害事件。阿贝拉是公元前四世纪时闻名的古希腊画家。当时另一个画家安缇菲罗因为妒嫉阿贝拉，向国王普托卢梅四世控告，说阿贝拉参与对国王图谋不轨的政治活动。而国王普托卢梅四世曾经是阿贝拉的保护人。国王听信了诽谤和诬陷，极其愤怒地将阿贝拉投入监狱。多年后，终于有一天，真正的反叛祸首出来证实，澄清了事实，阿贝拉才被释放出监狱。国王为了弥补阿贝拉因冤案所遭受的痛苦，将诬告者贬为阿贝拉的家奴。为此，阿贝拉在出狱后画了一幅名为《诽谤》的画。但非常可惜，这幅画失传了。波提切利依此取材将之重新构思创作而成。 这件作品是一件寓意深远的作品，它告诉人们一个道理现实社会中罪恶都是用美丽的形象乔装打扮以欺骗人民的，统治者听信坏人之言，正直好人总是落难，而面对这一切，真理也是无能为力的。画面的人物虽多，表现上是随意散乱的，但实际上画家在构思的时候就十分重视画作的连续性，通过人物的手势、衣纹飘动的方向等形成的连贯性。 人物之间有疏有密，这样的节奏感恰好体现了波提切利内心的不安，让人感受到有一种不详的预兆即将来临。 在《诽谤》这一幅画中，整体的线条相比之前更加有力度，柔和的气息转向了硬朗和朴拙，当时的动荡不安的社会环境影响着波提切利，而这个风格不仅是波提切利的探索，也是社会思想潮流的变迁一个小的缩影。 《诽谤》是波提切利晚年作品，由于年领的增长，历史的局限性，他对文艺复兴虽没有失去信心，但以从《春》的欢快走向了困惑和彷徨。 【整体评价】：画家在形象塑造方面，使用对比的手法以加强戏剧效果。背景的建筑物由直线和拱形曲线构成，廊柱壁面镶嵌着古罗马圣者和英雄的浮雕，显得神圣而庄严，可是就在这神圣的地方，无辜者和真理受到当权者公然无耻的摧残和伤害；真理和无辜者以裸体表现而一切坏人皆以华丽的锦袍包裹，显示真理与无辜者的纯洁美好，画面人物组合靠手势动作发生互相联系，形成一个完美和谐的艺术整体。在这幅作品中，真理形象的无比纯洁与诽谤形象的阴暗心理形成了鲜明的对比，表现得入木三分，酣畅淋漓。这幅波提切利晚年的杰作中工整细润的描绘技巧与深刻的社会隐喻，正反映着这位宫廷画家的地位与思想之间的深刻矛盾。艺术作品往往是艺术家的心理映象，这幅画正好说明了波捉切利当时的世界观。在晚年，波提切利被苦闷与惶惑笼翠着，而他的愤怒与抗议也全部倾注在这一幅充满着危机感的《诽谤》之中了。 名称：《诽谤》 作者：波提切利 创作时间：1495年 尺寸：62X91cm 类别：蛋彩画 收藏： 佛罗伦萨乌菲齐博物馆 谁是诽谤谁是真理—— 波提切利《诽谤》 这是一幅寓意深刻的作品。画中的所有人物，画中的雕塑以及浮雕都被画家赋予了深刻的暗喻。这幅画也是画家生前最后一幅世俗画，自此以后，波提切利的画切断了一切俗缘而彻底转向了宗教。这幅画不仅对了解波提切利，而且对了解当时的社会是极具时代意义的。 在一座庄严而神圣的罗马建筑大厅里，视觉中心有三个女子和一个男子，正把一位裸体男青年拖到国王面前审判，一个黑衣男子把手伸向国王似乎企图控制国王的心灵，而另一只手紧握象征“诽谤”的女子，这一动作象征着“叛变”，而裸体男子则象征着“无辜”他双手合十，在祈求着让他免遭诽谤的命运。 宝座上坐着的是长着象征“愚蠢”驴耳朵的国王，国王身后的两个人象征着“无知”和“轻信”她们则负责像国王灌输诽谤之词，而左侧的裸女则代表着“真理”，披着黑色头巾的老妇人是“悔恨”她饱经沧桑，老妇人是这幅画面中唯一一个注意到“真理”的人。1、最左边的全裸女性摆出维娜斯的姿势。她的裸体是那么纯洁，那么完美。她的右手指指向上天--她象征了真理的上天； 2、在裸女的旁边，一个身披黑袍的老妇，目光凝视着上天真理。老妇的双手交叉向下，面对着躺在地下那个年青的半裸者，她象征了忏悔和悔恨；3、画的中心部位，即主题位子，一个仅被缠腰布裹身的年青半裸者躺在地下，其双手合一，向天祈祷。半裸青年就是被审判者。他无望的表情毫无疑问地象征了无辜；4、青年的头发被身旁穿着十分考究的一个女人拉扯着。这个女人左手拿了一把火炬，她是点火者，她出卖了同伴，并把他交给国王，她象征叛变，；5、女人身边有两个同样穿着考究的女人为她细心地梳理着头发。这两个年青女人象征了诱惑（虚荣）和奸诈（欺骗）；6、站在审判长前面，衣着褴褛者，他引导叛变手指着审判长。他代表诽谤。7、画的右侧是审判席。坐在审判席上的男子显得疲惫忧郁。如果仔细观看，可以发现，波提切利给他画了两只驴子的耳朵。他象征了希腊神话传说中的米达斯王，他代表了无能昏庸的审判长。希腊神话中的米达斯王，得到巴休斯神的神力，可以点石成金，因为也喜欢阿波罗的心爱乐器笛子而被阿波罗将其耳朵变成驴子的耳朵。很明显，波提切利画笔下的米达斯王就是既拥有金银财宝又赋有权力的愚蠢的统治者。 8、站在这个无能的审判长身旁的两个女子在他的耳边窃窃私语，她们是无知和轻信。 9、波提切利因为他是站在同情萨夫纳洛拉一边的，所以，可以认为那个躺在地下，全身几乎一无所有的虔诚的宗教信仰者就是被诽谤的萨夫纳洛拉，而诽谤和陷害他的人都是一些衣装雍容华贵以及道貌岸然的富人。 Works of Art Exhibition 丢勒 Vincent William, Willem Van Gogh, 1853 -- 1890, also known as Van Gogh in Chinese, Dutch post impressionist painter. Post-Impressionism was a pioneer and deeply influenced 20th century art, especially fauvism and expressionism. 02. 这些成就让丢勒经常被拿来与达·芬奇做比较，人们称他为“北方的达·芬奇”。他出生在德国纽伦堡，13岁时画了一幅自画像，形象逼真。19岁时他为父亲画的肖像，充分显示出成熟的素描功力。丢勒一生创作了大量木刻画、铜版画、油画和人物素描，现存的作品有1000余件，包括350幅木板画、100幅铜版画、100幅素描和60多幅色彩画。其代表作有油画《四使徒》、木版画《启示录》、铜版画《苦闷》等。著有《人体比例研究》四卷，对透视学和人体解剖学颇有研究，他还是世界上最早创作水彩画的画家。 2021年是德国文艺复兴巨匠阿尔布雷希特·丢勒（Albrecht Dürer，1471年－1528年）诞辰550周年，为纪念这位将意大利文艺复兴的先进思想带到阿尔卑斯山脉北部的“北方达·芬奇”，位于伦敦的英国国家美术馆推出特别展览“丢勒之旅：一位文艺复兴艺术家的旅行”。展览将持续至2022年2月27日，这是新世纪以来首次在英国举办的丢勒大展。 欧洲宗教改革、哥伦布发现新大陆、末日说笼罩下的世纪交替、印刷术的普及……丢勒一生所处的是一个风云激荡的年代，而他恰是遇风云必化的龙。作为德国乃至欧洲艺术新纪元的奠基者，丢勒以一笔之力带动北方文艺复兴，连一向苛刻的意大利艺术史学家瓦萨里（Giorgio Vasari）都不得不赞叹丢勒的“美妙幻想和创造力”。他是艺术史上最杰出的版画大师，没有之一，而他不仅仅是版画大师，文艺复兴三百年，丢勒顶着绘画巨匠、雕刻家、数学家、机械师、艺术理论家、解剖学家、建筑学家等一系列名头，是为数不多可与达·芬奇比肩的全才。 丢勒的父亲原先是匈牙利宫廷的金匠，Dürer这个名字本就有匈牙利语血缘。在1455年“技术移民”到纽伦堡后，金匠老爸凭借自己的手艺养活一大家子，是真·一大家子，丢勒的英雄母亲在25年内生了18个孩子，只有三个孩子没有夭折，阿尔布雷希特·丢勒是夫妻俩的第三子。 丢勒上学念书至13岁，期间一直被金匠爸爸带到自家工坊里学习金工手艺，爸爸照着子承父业的路数培训他，但早慧少年不走寻常路：“爸爸，我想学画画。”小丢勒就是在没有经过专业绘画培训的情况下，使用银尖笔画法创作出了至今仍被认为是惊世之作的《13岁时的自画像》。惊世是因为当时的画家通常是接到订单后才开始创作，内容多是围绕圣经、神话或历史题材，画神仙、画帝王，但不会画自己。丢勒被视为欧洲第一位为自己画像的画家，单从这一点上看，小丢勒不仅有大慧根，更具大气象。 也许是看到了儿子的天赋和信念，金匠爸爸同意丢勒拜师学画。1490年，19岁的丢勒学成，以当时颇为流行的游学开始了人生中第一段至关重要的旅行。航海家哥伦布在1492年开始了发现新大陆之旅，丢勒也去寻找他的新大陆了——对于好奇心与求知欲并重的小天才来说，离家见天地如海绵吸水，在那个从见“神”转变到见“人”的觉醒年代，已具备“天时”“地利”要素的丢勒，在旅行的过程中成就了自己的“人和”。 五年时间，丢勒前往了当时一系列重要城市巴塞尔、科尔马、美因河畔法兰克福、美因茨、科隆等地，以及拥有乔瓦尼·贝利尼（Giovanni Bellini，1430年－1516年）的威尼斯。丢勒是最早一批前往文艺复兴腹地的北部欧洲艺术家，文艺复兴的精神深深吸引了他。返回纽伦堡后，丢勒成立了自己的工作室，在这一时期的作品中可以看到贝利尼、安德烈亚·曼特尼亚（Andrea Mantegna，1431年－1506年）等意大利艺术家对他的影响。 这是在1492年绘制的自画像中，时年21岁的丢勒右手托着头，神情惆怅。随着年龄的增长，丢勒遭遇到了年轻人常有的人生困境。他去了很多地方，丰富的阅历增长了他的见识，同时也使他对未来感到迷茫。 画面中，丢勒的两只眼睛并不在同一个视点上，这种主观的处理使人物的眼神更加生动传神。丢勒用寥寥几笔就表现他当时忧郁的心情：右眼的上下眼皮受到外力的挤压，眼神中流露出焦虑和不安；左眼似乎迷茫地看向外在的现实。 右《1500年的自画像》是丢勒肖像画中的代表作，创作于画家29岁那年。这幅作品只有丢勒上半身的形象，没有任何背景和细节，画家这种独具匠心的安排，是不想通过突出局部细节来吸引观众的注意。肖像正面面对观众，上身穿着红色的裘皮大衣，右手放在胸前，食指指着心脏的位置。此外，他那泛着金属光泽的鬈发披散在脑袋周围，每一绺头发的位置、厚度、与光的结合都是经过精心安排的。观众可以看出，这幅作品每一处都描绘得非常细致。丢勒把自己的肖像画得充满了神圣感，与基督的肖像相似，这反映出他渴望提升画家的宗教地位的愿望，同时也反映出他的艺术理念：艺术家与普通人不同，他们是创造者，甚至具有像上帝那样的神奇创造力。 其实丢勒从来没有看到过真正的犀牛，这幅作品的创作是基于一位不知名的艺术家对1515年抵达里斯本的一只印度犀牛的书面描述和简单草图。由于这个原因，丢勒的这幅木刻版画并不完全准确地描绘了犀牛。他描绘了一种动物，它的身体覆盖着像盔甲一样的坚硬板子，喉咙处有一个护颈，胸甲看起来很结实，接缝处似乎有铆钉，背上有一个螺旋状的小角，四肢覆盖着鳞片，后身则满布锯齿状的突起。这些特征都没有出现在真正的犀牛身上，虽然印度犀牛的皮肤确实有很深的褶皱，从远处看就像盔甲。 尽管如此，丢勒的这幅木刻版画在欧洲非常流行，并在接下来的三个世纪中被多次复制。西方人认为它是犀牛的真实描绘，直到18世纪中叶，才被更写实的素描和绘画所取代，例如法国画家让-巴蒂斯特·奥德里（Jean-Baptiste Oudry）作于1749年的布面油画《犀牛克拉拉（Rhinoceros Clara）》。 有人如此评价丢勒的这幅木刻画：“可能没有其他任何一幅动物画对艺术产生了如此深远的影响。”。 位于西班牙Puerto Banús的犀牛铜像，背部的角便是“丢勒角” 中世纪欧洲的第一头犀牛虽然葬身大海，但是关于它的传说却愈演愈烈。里斯本里关于犀牛的各种诗歌、绘画已经开始席卷整个欧洲，其中一张绘画作品也流传到了丢勒手中。 我们不知道丢勒看到的犀牛长什么样子，但是丢勒只根据绘画加上自己的想象，就制作出来了整个犀牛故事中最著名的作品。 因为是版画的原因，丢勒一生中至少卖出了4000 到5000 张他的犀牛画像，而此后整个欧洲以其他形式出版的《犀牛》的销量更是以百万计。 丢勒的这幅犀牛虽然错误百出，在犀牛背上还莫名多出来了一只角状物，甚至被人直接叫做“丢勒角”，但是这幅画在欧洲人心中留下了不可磨灭的印象，当时大部分欧洲人都认为这才是犀牛真正的样子。 直到今天，丢勒这幅并不写实的犀牛作品仍然出现在马克杯、T恤上，成为潮流文化的一部分。 《骑士、死亡与恶魔（Knight, Death and the Devil）》是德国文艺复兴时期艺术家阿尔布雷希特·丢勒（Albrecht Dürer）在1513年创作的一幅大型版画，高24.5厘米，宽19.1厘米。 画面中，一名肩挑长矛、腰悬长剑、全身披甲的战士正策骑着他雄壮的战马穿行于狭窄的幽谷当中。他还带着他的狗，狗跟在战马的旁边用力奔跑。战马的轮廓由一系列环环相扣的曲线构成，观众仿佛能看到战马皮毛美丽的光泽。 在骑士与峡谷山壁间却出现两个可怕的形象。左边是死神，他没有鼻子和嘴唇，骑着他的灰马，手里拿着一个象征生命短暂的沙漏，头上和脖子上缠绕着两条凶恶的鹰头蛇。右边是一个长着三只角的羊头恶魔。而在战马前蹄前的树桩上摆着一个骷髅头骨。在战马的两只后蹄之间的地上，还有一只蝾螈，它也是邪恶的象征。但骑士、战马和狗似乎都没有看到这些邪恶之物，他们目光坚定、专心前进。一些艺术史学家认为这幅画与荷兰人文主义者和神学家伊拉斯谟的《基督教士兵手册（Enchiridion militis Christiani）》有关，其中的诗篇二十三写道：“我虽然行过死荫的幽谷，也不怕遭害”。画面里山顶的堡垒也象征着信仰的坚定。在摆放骷髅头骨的树桩旁边有一块牌匾，上面留有丢勒的花押和日期标注，其中，“S·1513·”的“S”表示拉丁语“Salus”，意思是“在恩典年”。 《圣杰罗姆在他的书房》 在西方版画专家眼中，《书房中的圣杰罗姆》、《忧郁Ⅰ》与《骑士、死神和魔鬼》一直被后人视为丢勒的内心独白，从中窥探到他丰富的内心世界。这三幅版画杰作虽然从技术意义上难以将其视为“组图”，但是它们结成一个精神上的统一体，象征着三种生活方式。正如潘诺夫斯基指出，“这三种生活方式与美德的经院式分类一致，即道德的美德、神学的美德和理智的美德。作为内心世界的一种表达方式，版画印刻着制作者的内心独白。 这从那些丢勒所敬仰，在他笔下显得安详的人就可以看得出来，他们几乎都是这样表现的：他们在他们的书房中，在他们的桌前工作，沉思并学习着。 《书房中的圣杰罗姆》，这位圣人，沐浴在通过他房间的巨窗投入的和光中，注意到死亡却不恐惧，把所有的注意力集中在他的写作上。 ❏丢勒《书房中的圣杰罗姆》。这幅画中有阳光，有骷髅，书桌前的圣人沐浴在光中，注意到了死亡却丝毫不恐惧，把所有的注意力集中在他的写作上。这正是画家丢勒在自己的生活中追求并效仿的理想状态。 丢勒相信人性的恶。他认为要克服这种恶，人类要做三件事情：一是克制肉体的欲望，二是把自己投入上帝的仁慈，三是无休止的工作，永远不要停下来。 如果我能做到这三件事情，那就很幸福了吧。一直读书，不惧死亡，还有比这更美好的事情吗？ 沉浸在尘世享受中的人们啊，要看清真相。 丢勒在一首诗中说：“今天我们身边的任何一个人，明天都可能被安葬。” 你一定不喜欢这句话，可事实就是这样的，不是吗？ 谈及丢勒的一生，在此必须要附上一段小的插曲。在德国纽伦堡陈列馆中珍藏着丢勒非常著名的一件作品，被称为《祈祷之手》，这件作品蕴含着一段颇为感人的事件。丢勒在学画之前有一位挚友名叫尼格斯坦，两人都喜爱画画，但苦于经济难题都无法拜师学习，于是两人商量其中一人工作赚钱资助另一人学画，两人互相推辞相让，最后还是商定让丢勒先去学画，尼格斯坦通过做抹桌、洗碗、劈柴等粗活赚钱。有一次，丢勒听到尼格斯坦在室内祷告，见他举着双手，泪流满面，祷告说：“亲爱的天父，求你赐福给丢勒，使他成功，将我终日所盼望的那种艺术，加倍赐给青年丢勒。阿们。”朋友真挚的爱心让丢勒异常感动，并激发起了他的艺术灵感，他自言自语说：“知道了，知道了，应该怎么办？我要以神所赐我的天才，画出这双伟大的手，使一切爱看我画的人，知道世界上竟有这种无私的爱，使他们晓得他为了我付上了何等牺牲的代价。”朋友舍己的爱心成为丢勒追求艺术的重要动力，也让他深深体验到上帝的爱是何等长阔高深，竟然可以让一个人如此地为朋友舍弃自己的利益。 15 世纪时，在德国的一个小村庄里，住着一个有18个孩子的家庭。父亲是一名冶金匠，为了维持一家生计，作为家中顶梁柱的他每天要工作18个小时。生活尽管窘迫逼人，然而这个家庭中的两个孩子却怀揣一个同样的梦想。他们两人都希望可以发展自己在艺术方面的天分。不过他们也了解，父亲无法在经济上供他们俩中的任何一个到纽伦堡艺术学院读书。 晚上，两兄弟在床上经过多次讨论后，得出结论：以掷铜板决定胜者到艺术学院读书，另一个则到附近的矿场工作赚钱，4年后，在矿场工作的那一个再到艺术学院读书，由学成毕业那一个赚钱支持，他可能会靠卖作品，如果需要，可能也要到矿场工作。结果，弟弟丢勒胜出，去了纽伦堡艺术学院，而哥哥则去了矿场工作来提供弟弟的学费。在校学习期间，丢勒在艺术学院表现很突出，他的铜版画、木刻画和油画画得简直比教授的还要好。四年后，他以优异的成绩顺利毕业。此时的他并没有忘记自己当初的承诺，回到自己的村庄，寻找四年来一直在矿场工作的哥哥，来圆他的艺术之梦。 在这位年轻的艺术家返回家乡的那一天，家人为他准备了盛宴。宴席间始终伴随音乐和笑声，在临近结束时，丢勒起立答谢哥哥几年来对自己的支持，他动情地说道， “现在轮到你了，哥哥，我会全力支持你到艺术学院攻读，实现你的梦想!”众人将目光都落在了哥哥身上，可是只见他的眼泪忽然夺眶而出。他垂下头，擦干脸颊上的泪水，看了看长桌两边他所爱的亲友们的脸，把双手移近右脸颊，轻声地说：“不，弟弟，我上不了纽伦堡艺术学院了.太迟了.看看我的双手，4年的矿场工作，毁了我的手，最近我的右手又患有严重的关节炎，现在连举杯为你庆贺也不可能，已经太迟了......” 听了哥哥的话，丢勒的内心久久不能平静。几天后，他在不经意间看到哥哥跪在地上，合起他那粗糙的双手虔诚地祈祷着:“主啊!我这双手已无法让我实现艺术梦想，愿您将我的才华与能力加倍赐予我的弟弟吧!”原本对哥哥已经感恩涕零的丢勒见到这感人的一幕，立刻着手倾注全心将哥哥历经沧桑的双手画了下来，他把这幅伟大的作品称为“双手”，然而，全世界的人都立刻敞开心扉，瞻仰这幅杰作，并把这幅爱的作品重新命名为“祈祷之手 ”。 这幅木炭素描《母亲肖像》是此类肖像素描中最富感情的作品。丢勒怀着对母亲的深厚感情，用简率的炭条，正确地勾勒出年迈多病的老母亲形象。她已风烛残年，历尽苦难，备受风霜的侵蚀，脸上留下了许多生活的印痕。她那隆起的颧骨，布满皱纹的前额、稍鼓的眼珠、尖长的鼻梁和薄而紧闭的嘴唇，这一切细节是画家真挚的感情流露，由于岁月的磨损，老人的脸庞不仅消瘦，还暴起了道道青筋，唯有一对眼睛依然炯炯有神。 丢勒的这幅《母亲肖像》，简单而节奏分明的线条勾勒出母亲肖像的饱经沧桑之感，英国美术史家贡布里希在其著作《艺术的故事》中就着重提到了这件作品，并深入分析了其中所蕴含的美的辩证法：一个老态龙钟的妇人何以凭借素描的技法而透露出一股独特的美感。 除此之外，他还有一个不可埋没的功绩，那就是1502年创作了世界上第一幅水彩画《野兔》，在这以前从来没有人画水彩画，最多就是在素描上作些水彩色的补充。 丢勒的《野兔》，有明确的轮廓描写，他很敏锐的捕捉到很小的细节加以表现，并用极其严谨精炼，几乎是用“增一笔太多，减一笔太少”的有序的笔触来描绘，他是以极其科学严谨而又虔诚的态度对待他笔下的事物的。《野兔》是他用不透明水彩画的一幅名画，他甚至能在兔子的眼球上，画出关着兔子的房间里的窗户。 真正的水彩画创作是从丢勒开始的，丢勒一生创作了大量的水彩风景画。虽然他的作品在技法与色彩的运用上还比较简单，但作为独立的水彩画作品与世人见面，无疑是开日后水彩画之先河。 Works of Art Exhibition 拉斐尔·桑西（Raffaello Sanzio da Urbino，1483.3.28—1520.4.6） “一个人为了要把自己体验过的感情传达给别人，于是在自己心里重新唤起这种感情，并用某种外在的标志把它表达出来——这就是艺术的起源。” 03. 拉斐尔·桑西 （Raffaello Santi） 拉斐尔（1483 —1520），原名拉法埃洛·圣乔奥，意大利著名画家，与列奥那多·达芬奇和米开朗基罗合称“文艺复兴艺术三杰”。也是三杰中最年轻的一位，代表了文艺复兴时期艺术家从事理想美的事业所能达到的巅峰。 拉斐尔逝世时年仅37岁，但由于他勤勉的创作，给世人留下了300多幅珍贵的艺术作品。拉斐尔的作品博采众家之长，形成了自己独特的风格，是手法主义的代表人物，也代表了当时人们最崇尚的审美趣味，成为后世古典主义者不可企及的典范。 添加作品名称 Vincent William, Willem Van Gogh, 1853 -- 1890, also known as Van Gogh in Chinese, Dutch post impressionist painter. Post-Impressionism was a pioneer and deeply influenced 20th century art, especially fauvism and expressionism. 创意点01 Dutch post impressionist painter. Post-Impressionism was a pioneer and deeply influenced 20th century art, especially fauvism and expressionism. 创意点02 Dutch post impressionist painter. Post-Impressionism was a pioneer and deeply influenced 20th century art, especially fauvism and expressionism. 《西斯廷圣母》 （The Sistine Madonna） 1513年-1514年 收藏于德国德累斯顿艺术博物馆 他的性情平和、文雅，创作了大量的圣母像，他的作品充分体现了安宁、协调、和谐、对称以及完美和恬静的秩序。 《基督被解下十字架》（Deposition），1507年 收藏于意大利罗马柏吉司画廊 拉斐尔没有达·芬奇那样经验丰富博学深思，也没有米开朗基罗的雄强伟健的英雄气概。虽然他只活了三十七岁，却成为文艺复兴盛期最红的画家。他的风格代表了当时人们最崇尚的审美趣味。 他是个绝顶聪明的人，他的聪明特别表现在善于汲取他人之长，而后加以综合的创造。 拉斐尔在此前创作圣母形象时，总会赋予她们母亲与情人的气质，让她们看起来充满了幸福与满足感。而《西斯廷圣母》则塑造了一个超越普通母亲的救世主的形象——为了拯救这个世界，她打算牺牲掉自己的孩子。在这部作品中，圣母站在云端，怀里抱着自己的孩子基督，画面就像一个舞台，当帷幕拉开时，圣母的形象就缓缓出现在人们面前。画家用和蔼可亲的母亲形象代替中世纪以来那种偶像化的圣母，让人倍感亲切。圣母的脸上洋溢着母爱，由于要把自己心爱的儿子献给人世，所以她身上流露出一种伟大的牺牲精神。作为整幅作品的中心，圣母身上那简朴的衣裙，她那赤裸的双脚，以及那坚定而又忧伤的目光，非常具有感染力。站在圣母左边的是教皇西斯廷二世，他是人间权力的代表，穿着华丽的衣服，虔诚地恭迎圣母降临人间；圣母右边的那个妇人是瓦尔瓦拉，她是平民百姓的代表，前来迎接圣母。她正用仁慈的目光望着下面两个小天使，仿佛与他们正在进行思想交流。整个画面情节生动，人物形象栩栩如生，高度赞扬了为正义事业牺牲一切的崇高品质。这幅画本来是拉斐尔为西斯廷教堂画的，但作为世界十大名画之一的它，现在收藏于位于德国德累斯顿的茨温格博物馆。馆方认为它如此美好，以至于世界上没有任何一幅画配和它放在一起展览，因此还专门为它配备了单独的展览室，真可谓“世界上最孤独的画”！ 拉斐尔的古典西洋绘画对后世画家造成很大的影响。代表作《雅典学院》是装饰在梵蒂冈教宗居室创作的大型壁画。而他的建筑风格在《雅典学院》中表现，特别是室内优美装饰，给予后世很大的影响。 在这部作品中，画家通过浪漫的想象，把他所敬仰的不同时期的学者们放在了同一幅画里。柏拉图和亚里士多德这两位哲学家站在台阶高处的中央部分，他们代表的是两种不同的哲学观点。柏拉图伸出右手，指向天空，这表明他那理想主义的世界观；而亚里士多德用手指向人间，代表他是一位现实主义哲学家。站在他们两边的人也都是非常重要的历史人物，根据学术倾向的不同，这些人被安排在两位主要人物的两边。下一层人物同样分为两组，左边一组中，蹲在地上奋笔疾书的是古希腊著名的哲学家毕达哥拉斯，据说拉斐尔是以达·芬奇的样子来塑造这位哲学家的；左手支着头、右手写字的是古希腊著名哲学家赫拉克利特，他是拉斐尔以年轻时的米开朗琪罗为原型创作的；右边一组中，手里举着天体模型的是著名天文学家托勒密，他正在向其他几个人讲解天体知识；托勒密身边的是古希腊著名的科学家阿基米德，他正在弯腰与四个年轻人演算几何题。除了上述知名学者，拉斐尔还把自己与同行索多马也画了上去，他们就位于画面前方最右边。 佩鲁吉诺的画技已经无法满足拉斐尔的需求，他开始学习当时最顶尖的画家技法。拉斐尔“拷贝机”的本事再次进化，他学到了达·芬奇和米开朗基罗的技术。 有一次，他正画着甲方委托的草稿，听说偶像达·芬奇和米开朗基罗在佛罗伦萨一起绘制壁画，立马丢下了自己的工程跑去佛罗伦萨看偶像，现在看来就是个追“星”男孩。 达·芬奇和米开朗基罗都是当时顶级的大师，一山不容二虎，而且据传一直不和。当时佛罗伦萨的市政部门邀请他们一起作画，显然没安什么好心。不过这可乐坏了拉斐尔，他一边吃瓜一边学习技法，博采众长，到处偷师。他学到了达·芬奇的构图和米开朗基罗的人体表现与风格，绘画风格日渐成熟，迅速和两人齐名。 之后他开始接到更大的单子。在一次重要的委托中，甲方要求画一组夫妇肖像。这个富有的甲方商人和艺术资助人是阿涅罗·多尼和他的妻子玛达莱娜，他们也成为佛罗伦萨首批请托拉斐尔作画的资助人之一。肖像出来后玛达莱娜乐开了花，这简直就是人间富贵花版本的《蒙娜丽莎》。玛达莱娜的姿态与达·芬奇的《蒙娜丽莎》有异曲同工之妙，但没有如后者那样刻画暧昧不清的人物表情，使其显得心事重重。在这幅人像作品中，拉斐尔通过写实主义的手法描绘出这位女子丰满的身材和并不完美的容貌，但他力图使其眼神更显柔和，并把脸部轮廓描绘得更为优雅。他耗费心力，成功地表现出逼真的衣料纹理，画中蓝色锦缎的袖管和覆在双肩上的透明薄纱，还有戒指和吊坠，无一不强调着她的身份。收到画作，心中大悦的甲方夫妇顺势把拉斐尔介绍给了教皇，从此他逐渐走上人生巅峰。 年轻的拉斐尔博采众长，实现了自身艺术风格的演变。他将其他艺术家的技法归为己用，但并非单纯的复制，而是站在前人的肩膀上实现了超越。艺术史学家克里斯托夫·特内斯明确说过：“他从未想要与众不同，他只想做得更好。受益于对前人的深入理解，他从中摸索出新的艺术道路，由此通向巅峰。” 米开朗基罗超级讨厌拉斐尔，管他叫抄袭者。他生怕自己正在画的圣彼得大教堂天顶画被抄袭，特地封了起来。但拉斐尔不屈不挠，不惜找到建筑设计者布拉曼特走了后门，还是看到了对方的作品。在米开朗基罗1511年8月向公众揭开此工程的神秘面纱之时，拉斐尔也为他的《雅典学院》添上了最后一笔颜色，他的传世之作宣告诞生。画面展开在一个向天空敞开着的恢宏建筑内，墙壁上装饰着雕像和浅浮雕，哲学家群像现身大厅中，这些伟大的古代思想家的形象就这样跃然其上。他们中有的在讨论，有的在思索，有的在聆听，有的在他的学生们中间书写，或是和雅典城邦居民们交谈。 拉斐尔成功地将一个抽象主题转换为具有故事情节的场景，通过更丰富多彩、更自由洒脱的绘画手法，将众人物布置在画面空间中。画面的中心位置，唯心主义哲学家柏拉图用食指指向天空，表示获得神的启示，他手里拿着一本自己的《对话录》，拉斐尔把他的脸画成达·芬奇；单独坐在第一级台阶上的人物是赫拉克利特，脸的原型则是米开朗基罗。在位于画面右端底部的一群人物中，拉斐尔本人的脸挤在一个小角落看向观众，在古希腊与16世纪的罗马之间实现了微妙的时空“穿越”。达·芬奇和米开朗基罗的脸站c位，他自己则站在一侧谦卑地旁观，可以说十分会做人了。 拉斐尔在佛罗伦萨站住脚后，一直和米开朗基罗“掰头”。拉斐尔年纪更小经验更浅，却经常处于上风。当时挖掘出来一个古典时期的雕塑《拉奥孔和儿子们》，拉奥孔缺个手臂。教皇组建了专家评审团，其中就有米开朗基罗和拉斐尔两位大神，他俩就这胳膊是弯是直的问题争论了很久。最终评审团基本全站拉斐尔，以绝对优势击败了米开朗基罗，手臂被修复成直的。但后来原装手臂出土之后被证实拉斐尔的猜想是错的，人家胳膊弯着哪。 无论如何，拉斐尔在打败老师后，又“打败”了偶像。人生简直所向披靡，一路无敌。 大家肯定很疑惑，为什么他总能打败前辈？甚至能吸引人们支持他错误的意见？ 首先，从拉斐尔的自画像上可以看出，这家伙长得眉清目秀，可能甲方看到他就赏心悦目。其次，他审美好，会给客户的画像加柔光，很多瑕疵被隐去，美丽的轮廓被凸显。在他之前，家家户户人手一份的圣母像往往是呆滞刻板的，过于庄重，反而失掉了美丽；拉斐尔的圣母画则以母性的温柔以及青春健美为主题，特别关注人们的真实需求。对比德裔尼德兰画家汉斯·梅姆林的《圣母子和马丁·凡·尼文霍夫双联画》和拉斐尔的《抱婴圣母》，可见一斑。前者描绘出了一位神态庄严的圣母，正郑重地把圣婴耶稣展现在众人面前；后者画中圣母与圣婴之间的情感互动十分强烈：耶稣身子贴向母亲，而圣母用双手支撑着他，姿态中满溢着无限柔情。 甲方的要求，拉斐尔总是敬业地完成，高产得不得了。他性格柔和得简直不像个艺术家，堪称天使乙方。此处不得不再一次点名达·芬奇，不但热爱拖稿，还恐吓甲方催稿神职人员“再催就把你的脸画成叛徒犹大……” 拉斐尔十分懂得尊重人，人缘很好。他画圣母像出名，人也挺“圣母”的。据说他只要在某地待上五分钟，就会有人来求画，而他也很少拒绝。技术和性格都这么好的结果，就是当时的各位教皇都中意他。在要任命新的圣彼得大教堂的首席建筑师之时，候选人就是达·芬奇、米开朗基罗和拉斐尔这三位。比起两位大师的脾气和拖延症，教皇毫不犹豫地选了拉斐尔。 说实话，拉斐尔比不上达·芬奇的创造力，也比不上米开朗基罗对肌肉走向的精准把控，但他像个不知疲倦的黑洞，捕捉了一切能够看到的光，提炼之后还能升华。他柔美的人像综合了大师技巧与自身理解，把文艺复兴推向了顶峰。 《圣母子》 达·芬奇是不可理喻的天才，米开朗基罗是挣扎奋斗的奴隶，而拉斐尔介于两者之间，如同他笔下的大三角构图一样完美均衡。 所谓文艺复兴，就是复兴古希腊、古罗马时期的人道主义思想，打破宗教“神本位”的观念，以人为本，肯定人的价值与尊严。拉斐尔善于把“神”画成具有“人”的形象，他画的圣母就是生活中神态优美、心地善良的普通母亲的形象，具有优雅、秀美的风格。因此，这也被人们一直视为古典美术精神最完美的体现。古典主义是一种艺术思潮，也指一种绘画风格。这个词源于拉丁文，具有“典范的、典雅的、正统的”和“最优秀的”之意。 拉斐尔的圣母像在造型上平和、静穆和庄严，形象概括简练；色彩含蓄、单纯而稳重，不宜追求笔触效果为目的，色调柔和曼妙，过渡自然；构图上不论是“优美”的小幅画图还是“崇高”的鸿篇巨制都达到整体和谐，并从中透露出非凡的气度与平凡的母爱，充分体现了古典主义“美就是和谐”的理念，是古典主义的集大成者。这些画作在当时受到了极大的欢迎，也打动了古今中外的观众。 拉斐尔的艺术视角赋予神话世界以人性的温情，赋予了古典美以新的生命。在他的作品中，古典艺术发展成一种新的不同的完美形式，拉斐尔的成就代表了文艺复兴时期绘画的最高水平。“无论艺术潮流如何变化，人们对美的追求依然不变，观众始终渴望在艺术中寻找心灵的慰藉，获得安宁与和谐。从这个角度来说，拉斐尔所追求的古典主义理想美在今天依然有其价值和意义。”华东师范大学孙乃树教授这样说道。 $