第14课 人性的崛起——文艺复兴美术 米开朗基罗 课件-2025-2026学年高中美术人教版（2019）美术鉴赏

文艺复兴三杰之 米开朗基罗 “在艺术的境界里，细节就是上帝。 ——米开朗基罗” 米开朗基罗·博那罗蒂（1475年3月6日—1564年2月18日），又译“米开朗琪罗”，意大利文艺复兴时期伟大的绘画家、雕塑家、建筑师和诗人，文艺复兴时期雕塑艺术最高峰的代表，与拉斐尔和达芬奇并称为文艺复兴后三杰。 他一生追求艺术的完美，坚持自己的艺术思路。他于 1564 年在罗马去世，他的风格影响了几乎三个世纪的艺术家。 小行星 3001 以他的名字命名来表达后人对他的尊敬。 罗曼·罗兰写过《米开朗琪罗传》，归入《名人传》中。米开朗基罗是《大卫》，《创世纪》的作者。 《梯边圣母》 《半人马之战》 酒神巴克斯 米开朗基罗留下最早的雕塑作品是《梯边圣母》，这是天才少年非凡创造技巧的最早展示。圣母玛利亚怀抱圣子耶稣侧身坐在楼梯旁，这种粗朴的形象并不常见。圣母形象优雅，姿态庄重沉静，整个画面显得肃穆而不失生动。米开朗基罗喜欢以男性的身体来塑造女性形象的特点在《梯边圣母》中已经初现端倪——圣母的身材高大，颇具男性阳刚的气魄，而耶稣则是婴孩形象，正在吮吸母亲的乳汁，倚在楼梯上的天使则相对简陋，如在楼梯上嬉戏奔跑的顽童。 1492年前后，米开朗基罗应洛伦佐·美第奇委托，创作了《半人马之战》。这是一组群雕，古希腊雕塑中的裸体在米开朗基罗的刻刀下复活了，其中可以看到后来的《卡西那之战》、《创世纪》、《末日审判》的影子。故事取材于古希腊的神话传说，洋溢着力与美。米开朗基罗已能熟练把握运动中的人体造型。 1496年左右，米开朗基罗创作了一座天使入睡的大理石像（瓦萨里在第二版的《艺苑名人传》中将其称为“6、7岁模样的爱神”）。这一作品被他做旧，被人（这个人是谁，这里留个悬念）当成出土文物转手以200金币卖给了主教。米开朗基罗的佣金是30金币——他多大程度上知情，已不可考。没想到天使骗不过主教的眼睛，更没想到主教盛怒之下，因此愿意见一见手艺不凡的艺术家，这也意味着米开朗基罗的声望将在圣城罗马走向新的高度。关于此事，瓦萨里的评价是，“当代作品只要是优秀的，其价值绝不逊于古代作品。那些只重名声不看事实的人，不是虚荣心在作怪吗？”关于这一天使像后来的命运，将在明天的推送更新。 1496年，米开朗基罗为罗马的雅各布·加里制作了《酒神巴克斯》（微醺的酒神）大理石雕。酒神面墙站立，略显醉态。这位身材魁梧、体态匀称的青年，洋溢着旺盛的青春活力。米开朗基罗独具匠心，将酒神的刘海刻画成葡萄的卷须，为其戴上了葡萄叶果的桂冠。酒神右手端着葡萄酒，拿着象征着新生命的狐狸毛皮，身后站着半人半马的少年，正急切地想把酒神手中葡萄送入口中，他脚下的马面，象征了他的变形过程。整个雕塑充满原始野性，肌肉紧绷，其完美的裸体和醉态动静相宜，突破了机械平衡，将青年人的苗条精悍与女性的丰腴结合得恰到好处。 Pietà 哀悼基督 描绘的是耶稣被钉死在十字架上后 圣母玛利亚怀抱儿子哀悼的场景 从这座巨大的雕塑上可以看到 耶稣的躯体 显得那样得柔弱无力 毫无生气 《哀悼基督》这个作品是依据《圣经》故事，表现基督从十字架上被卸下来后，圣母玛丽娅抱起儿子尸体时悲痛与哀悼的情景。 雕像中，死去的基督在肋下有一道伤痕，而脸上没有任何痛苦的表情，横躺在圣母玛丽亚的两膝之间，右手下垂，头向后仰，腰部弯曲，表现出死亡的虚弱和无力；圣母年轻而秀丽，形象温文尔雅，身着宽大的斗篷和长袍，右手托住基督的身体，左手略向后伸开，表示出无奈的痛苦；头向下俯视着儿子的身体，陷入深深的悲伤之中；细密的衣褶遮住了她厚实的双肩，面罩却衬托出姣美的面容。 创作背景 1498年4月，教皇和美第奇家族利用饥荒，煽动群众攻打圣马可修道院。共和国失败，萨伏那洛拉被加以裂教及异端狂想分子的罪名，在佛罗伦萨闹市中被火刑处死。 这一殉道事件深深地震动了米开朗基罗，他感到萨伏那洛拉领导的运动是正确的，他提倡的真诚朴素的道德也是崇高的，他是一个同情人民群众的殉道者。于是开始创作《哀悼基督》。 艺术鉴赏 作品突破了以往苍白衰老的模式，圣母被刻画成为一个容貌端庄美丽的少女，却没有影响到表现她对基督之死的悲痛，她的美是直观的，但她的悲哀却是深沉的。她所体现出的青春、永恒和不朽的美，正是人类对美追求的最高理想。 构图 《哀悼基督》采用了金字塔式构图，圣母宽大的衣袍既显示出圣母的四肢的形状，又巧妙地掩盖了圣母身体的实际比例，解决了构图美与实际人体比例的矛盾问题。基督的那脆弱而裸露的身体与圣母衣褶的厚重感以及清晰的面孔形成了鲜明的对比，统一而富有变化。米开朗基罗还将自己的名字第一次刻在了雕像上。 评价 法国思想家罗曼·罗兰评价道：作品中的基督像永生了一样，那么年轻，死去的躯体静静地躺在圣母的膝上，好像睡着了一样。人物的线条有着希腊风格的严肃，但是却弥漫着一股无法言喻的哀愁情调。这座雕像的人物是那么美丽，看上去却又那么的凄凉。 可是天才也有小心思，他们总想不断攀高峰，同样也会在意他人对自己的看法，也会有争强好胜的心理，甚至更强烈——和达芬奇的对决，两个天才之间的较量。 因为命米开朗基罗做这尊雕塑的主教已亡，所以这尊雕塑被摆放在了一个非常不起眼的角落自然不会受到教徒的重视，没有热情的赞扬，众人的惊叹，这给了天才当头一棒。 米开朗基罗创作这尊雕塑时，深受文艺复兴宗教改革者萨沃纳罗拉被教皇法庭处决的触动。 他决定将自己的崇敬和哀悼融入作品中。他大胆地超越了传统的哀悼场景，将萨沃纳罗拉的精神、自己的思想情感和社会理想融入对圣母和督的刻画中。 他紧紧抓住基督临终前的话：“我一直向世界公开讲话。” 在他心中，为民众辩护的“烈士”萨沃纳罗拉是基督的化身，而圣母则象征着意大利，哀悼着她伟大儿子的逝去，正是对萨沃纳罗拉的真挚崇敬。米开朗基罗笔下的圣母形象体现了永恒的青春和不朽的形态。 在创作过程中，身着红衣主袍的德拉·罗韦雷红衣主教前来参观雕塑的进展。 他惊讶地问道：“告诉我，我的孩子，圣母的面容怎能比她的儿子还年轻？” 米开朗基罗回答说：“大人，在我看来，圣母作为纯洁而崇高的化身，是神圣事物的象征，她当然可以避开时间的摧残和世界的毁灭，因此拥有永恒的青春。” 红衣主教对米开朗基罗的回答非常满意。 这尊雕像的制作展现了高超的现实主义造型技巧。米开朗基罗对每一个细节都进行了细致的打磨，把原本石头的材料做出来肌肤的质感！ 在最细节的部位，他甚至连最细微的部分都用天鹅绒仔细擦拭，直到雕像的表面完全光滑发亮，这大概就是五百年前艺术节的工匠精神吧。 圣母丰满的袍子不仅揭示了她的肢体形态，还巧妙地隐藏了她的实际身材比例，在现实中一个女性其实很难做到这个姿势抱住一个成年男性，但是米开朗基罗解决了构图美感和现实人体比例之间的矛盾，这叫做“比例错觉”。 基督脆弱而暴露的身体与圣母袍子的厚重感形成对比，再加上清晰的面部特征，构成了一个既统一又多变的构图，层层深入，步步为营。 观者可以从栩栩如生的形象中强烈感受到角色内心的痛苦。观者可以直观地感受到圣母的美丽，而她的悲伤则是内在的。所有这些都使大理石充满了生命力。 他曾说：“每个雕塑本来就是一个生命被封印在大理石中，我只是负责把他们解放出来而已。” 我听到了一个灵魂的工程师掷地有声，最深沉的话语。雕塑和绘画还不太一样，它是三维的，有实实在在的体量感，《哀悼基督》重3050公斤。 作品中母亲的形象典雅而沉静，默默地俯视着躺在她双膝上的死去的孩子，没有给人以过于悲伤和痛苦的感觉。雕塑中体现的是人文主义的精神。右手托住孩子的身体，左手略向后伸开，表示出无奈的痛苦；头向下俯视着儿子的身体，陷入深深的悲伤之中；细密的衣褶遮住了她厚实的双肩。圣母的表情是静默而复杂的，不仅倾泻了无声的哀痛，也不只是圣母充满哀思的祈祷，它已经大大超出了信仰所饱含的内容，这是一种洋溢着人类最伟大最崇高的母爱的感情。体现了面对至亲去世仍能坚强隐忍的伟大品格。在看到心怀对人类大爱的人格被暴力摧残着，会令人由衷的怜悯，感到悲痛。若用哭天抢地的痛苦强加给观众悲伤的情绪，过于直白，不是观众由内心自发的情感。米开朗基罗的表现手法更接近老子大音希声、佛教大悲无泪的哲学思想，更加直击心灵。 《哀悼基督》这个作品是依据《圣经》故事，表现基督从十字架上被卸下来后，圣母玛丽娅抱起儿子尸体时悲痛与哀悼的情景。 雕像中，死去的基督在肋下有一道伤痕，而脸上没有任何痛苦的表情，横躺在圣母玛丽亚的两膝之间，右手下垂，头向后仰，腰部弯曲，表现出死亡的虚弱和无力；圣母年轻而秀丽，形象温文尔雅，身着宽大的斗篷和长袍，右手托住基督的身体，左手略向后伸开，表示出无奈的痛苦；头向下俯视着儿子的身体，陷入深深的悲伤之中；细密的衣褶遮住了她厚实的双肩，面罩却衬托出姣美的面容。 创作背景 1498年4月，教皇和美第奇家族利用饥荒，煽动群众攻打圣马可修道院。共和国失败，萨伏那洛拉被加以裂教及异端狂想分子的罪名，在佛罗伦萨闹市中被火刑处死。 这一殉道事件深深地震动了米开朗基罗，他感到萨伏那洛拉领导的运动是正确的，他提倡的真诚朴素的道德也是崇高的，他是一个同情人民群众的殉道者。于是开始创作《哀悼基督》。 艺术鉴赏 作品突破了以往苍白衰老的模式，圣母被刻画成为一个容貌端庄美丽的少女，却没有影响到表现她对基督之死的悲痛，她的美是直观的，但她的悲哀却是深沉的。她所体现出的青春、永恒和不朽的美，正是人类对美追求的最高理想。 雕像中，死者脸上没有任何痛苦的表情，横躺在母亲的两膝之间，右手下垂，头向后仰，身体如体操运动员一般细长，腰部弯曲，表现出死亡的虚弱和无力，闭着双眼似乎在沉睡着。但看到他身上的伤痕时，你会惊讶他在承受了流血与暴行后，还能保持着平静的睡颜，总会忘记他已经失去了生命。米开朗基罗用婴儿般的沉睡表达对死亡与新生的理解。 米开朗基罗则用婴儿般的沉睡表达对死亡与新生的理解。时至今日，仍然深刻影响着当代视觉艺术对此主题的表达方式。 《哀悼基督》这个作品是依据《圣经》故事，表现基督从十字架上被卸下来后，圣母玛丽娅抱起儿子尸体时悲痛与哀悼的情景。 雕像中，死去的基督在肋下有一道伤痕，而脸上没有任何痛苦的表情，横躺在圣母玛丽亚的两膝之间，右手下垂，头向后仰，腰部弯曲，表现出死亡的虚弱和无力；圣母年轻而秀丽，形象温文尔雅，身着宽大的斗篷和长袍，右手托住基督的身体，左手略向后伸开，表示出无奈的痛苦；头向下俯视着儿子的身体，陷入深深的悲伤之中；细密的衣褶遮住了她厚实的双肩，面罩却衬托出姣美的面容。 创作背景 1498年4月，教皇和美第奇家族利用饥荒，煽动群众攻打圣马可修道院。共和国失败，萨伏那洛拉被加以裂教及异端狂想分子的罪名，在佛罗伦萨闹市中被火刑处死。 这一殉道事件深深地震动了米开朗基罗，他感到萨伏那洛拉领导的运动是正确的，他提倡的真诚朴素的道德也是崇高的，他是一个同情人民群众的殉道者。于是开始创作《哀悼基督》。 艺术鉴赏 作品突破了以往苍白衰老的模式，圣母被刻画成为一个容貌端庄美丽的少女，却没有影响到表现她对基督之死的悲痛，她的美是直观的，但她的悲哀却是深沉的。她所体现出的青春、永恒和不朽的美，正是人类对美追求的最高理想。 1972年5月21日，匈牙利男子托特·拉斯洛（匈牙利语：Tóth László (geológus)）冲到雕像前大喊“我是耶稣基督！”同时以手中的凿子和铁槌，猛力敲打作品，造成圣母左臂断裂，以及眼鼻部位的严重损伤。 事后，紧急封闭现场仔细搜寻，找回了50馀块大理石碎块。其造成的损伤之大，修复团队花了三年时间才大功告成。 为了避免再度遭人破坏，作品现已被放置在一大片防弹玻璃后面，受到完善保护。 创世纪天顶画 梵蒂冈和西斯廷，在天主教世界中，具有不可撼动的象征意义。而其中最受瞩目的艺术杰作，堪称文艺复兴大师米开朗基罗，历时四年时光，在西斯廷礼拜堂创作的巨幅穹顶画 ——《创世记》。 这幅面积达五百平米的绘画巨制，题材全部取自于《圣经》，描绘了神从开天辟地，创造人类直至诺亚方舟的故事。 PART 2 The general ppt template of European and American RETRO art oil painting style art appreciation 西斯廷礼拜堂始建于1445年，由教皇西克斯图斯四世发起。依照《圣经•列王纪上下》中，描述的所罗门王圣殿所建。既是罗马教宗的私用经堂，也是教宗选出仪式的举行之处。1481年礼拜堂竣工后，波提切利等文艺复兴初期艺术家，便以耶稣基督为主题，创作了一批装饰壁画。 1506年，教皇朱理二世为纪念叔父西克斯图斯四世，请米开朗基罗重新绘制原本天空图案的穹顶画。从1508的初冬到1512年的秋末，米开朗基罗把自己封闭在礼拜堂之内，拒绝外界一切探视。独自一人完成从脚架设计到内容安排、从空间构图到绘画创作的全部工作。 工程之浩大、任务之艰巨、创作之难度，完全超乎我们如今的想象。 日复一日，年复一年，居高不下的处境，曲身仰视的姿态。当37岁的米开朗基罗走下脚手架时，早已憔悴不堪，俨然如同高龄的老者。 1512年11月1日，西斯廷礼拜堂穹顶之上，人们终于看到世界艺术史上最震撼人心的杰作《创世记》。 666666666666666666666666666666666666666666666666666666666666666666666666666666666666666666666666666666666666666666666666666666666666666666666666666666666666666666666666666 米开朗基罗的壁画挑战 1508年，罗马西斯廷礼拜堂迎来了一项前所未有的艺术挑战。教皇尤利乌斯二世向米开朗基罗提出了一个宏伟的计划：为礼拜堂的天顶创作壁画。 对于这位已经因其雕塑作品而声名鹊起的艺术家来说，这是一个全新的领域，也是一个巨大的考验。尽管如此，米开朗基罗勇敢地接受了这一挑战，他决心将自己的艺术才华扩展到绘画领域。 在接下来的四年多时间里，米开朗基罗投入到了这项艰巨的任务中。他独自一人，没有助手，面对着巨大的天顶，他开始了创作。这幅壁画的规模和复杂性在当时是前所未有的，它不仅考验着艺术家的技艺，更考验着他的毅力和创造力。 米开朗基罗的壁画作品《创世纪》最终以其宏伟的规模、精湛的技艺和深刻的宗教内涵，成为了艺术史上的一座丰碑。 这幅壁画不仅展现了圣经中创世的故事，也体现了艺术家对人类命运的深刻思考。从《神分光暗》到《创造亚当》，再到《原罪－逐出伊甸园》，每一幅画面都充满了动感和生命力，展现了米开朗基罗对人体结构的精准把握和对光影运用的高超技巧。 米开朗基罗的这一壮举，不仅证明了他在雕塑领域的卓越，也展示了他在绘画艺术上的非凡才能。《创世纪》壁画的完成，标志着米开朗基罗艺术生涯的一个新高峰，同时也为后世留下了一笔宝贵的文化遗产。 这幅壁画至今仍然是艺术爱好者和学者研究和欣赏的对象，它见证了米开朗基罗对艺术的无尽追求和对完美的执着。 整幅穹顶由位居中心的三组共九个场景，和局部的多幅装饰画组成。 绘制的壁柱和饰带分隔出每幅独立画作，藉助立面墙体的弧线，延伸为假想的建筑结构。并在穹顶的边角空间描绘了另外四幅圣经故事、以及十二位先知和二十个人物。 拱顶中心的九幅场景，讲述《创世记》的故事，按照时间顺序，画出宇宙万物、人类以及原罪的诞生。画面气势磅礴，恢弘壮阔，震撼人心 走进《创世纪》 《创世纪》壁画位于西斯廷礼拜堂天顶的中央部分，总面积达14x38.5平方米。 壁画以《圣经》创世记的故事为蓝本，分为九幅中心画面，分别是《神分光暗》、《创造日、月、草木》、《神分水陆》、《创造亚当》、《创造夏娃》、《原罪－逐出伊甸园》、《诺亚献祭》、《大洪水》和《诺亚醉酒》。 这些画面不仅展现了圣经中的故事，也体现了米开朗基罗对人类命运的深刻思考。 在《创造亚当》这幅画中，上帝与亚当的手指即将触碰的瞬间，象征着生命的诞生和人类智慧的觉醒。这一场景成为了人类创造力的象征，也是米开朗基罗对人类潜能的颂歌。 宗教艺术与人文精神传承 《创世纪》不仅是宗教艺术的巅峰之作，也是人文主义精神的体现。米开朗基罗通过这幅壁画，传达了对人类理性和自由意志的尊重。他的作品超越了宗教的界限，成为了人类共同的文化遗产。 米开朗基罗的艺术手法在《创世纪》中得到了充分的展现。他对人体结构的精确把握，对光影的巧妙运用，以及对空间的深远布局，都使得这幅壁画具有了强烈的视觉冲击力和艺术感染力。 米开朗基罗的《创世纪》作为梵蒂冈西斯廷教堂的瑰宝，未来将继续受到精心的保护和维护。梵蒂冈可能会继续实施定期的监测和维护计划，以确保壁画免受环境因素的损害。 同时，利用现代科技，如3D扫描和数字化技术，将壁画的每一个细节记录下来，不仅有助于当前的保护工作，也为未来的修复提供了宝贵资料。 此外，通过全球巡展和教育项目，公众对这幅壁画的认识和保护意识将得到提升，从而为《创世纪》的长期保存贡献力量。 这些努力将确保米开朗基罗的杰作能够跨越时间的长河，继续启迪和感动世人。 米开朗基罗的《创世纪》是一幅永恒的艺术巨作，它以其深邃的宗教内涵、精湛的艺术技巧和深远的人文价值，成为了世界艺术宝库中的璀璨明珠。 这幅壁画不仅是米开朗基罗个人艺术生涯的巅峰，也是整个文艺复兴时期乃至人类文明的辉煌见证。 第二组「人间的堕落」：包括「创造亚当」「创造夏娃」「原罪：逐出伊甸园」；呼应《圣经•创世记》中神说：「照着我的形象造人」。因此世上才有了人。 正中《创造亚当》是整个穹顶画中最动人心弦的一幕。画面没有直接描绘创造亚当的过程，而是定格在神圣火花即将触及亚当的瞬间：静动相对、神人相顾。 从天而降的上帝将手指伸向亚当，灌注生命的灵魂。即将碰触的手指，仿佛存在着无边的距离。电光火石般的戏剧性瞬间，引发对神的无穷想象和无比敬畏。 米开朗基罗将其定义为：人类与上帝之间无法跨越的鸿沟。 天使长米迦勒挥起审判的宝剑，将被蛇诱惑后偷吃禁果的亚当和夏娃逐出伊甸园。两人的姿态和表情，无脸正视，便是罪恶感最真实生动的体现。 第三组「不应有的牺牲」包括「大洪水」「诺亚献祭」「诺亚醉酒」。描绘《圣经•创世记》中记载的大洪水和诺亚方舟的故事。 《大洪水》描绘洪水来临之时的恐怖气氛。铅灰色的背景下，赤裸的人群躲避着暴雨，呈现出受到上帝惩罚的绝望与无助。 人们有的互相帮助，有的苦苦挣扎。凝重的表情和色彩的反差，增强了悲剧的氛围。似乎能听到狂风的呼啸，感觉到大难临头的恐惧。 《诺亚献祭》描绘诺亚按照上帝的旨意建造方舟，洪水过后的第一件事，就是出方舟后向上帝献祭。诺亚为上帝建造了一座精美祭坛，拿各类洁净的牲畜，飞鸟献在坛上为燔祭，充满静穆的神圣力量。最后，《诺亚醉酒》描绘上帝赐福给诺亚和儿子（神对他们说，你们要生养众多，遍满了地），并用美丽的彩虹，作为神与地上一切有血之物立约的记号。 “” 文艺复兴的魅力在于他掌握了一种平衡 一块巨石又被米开朗基罗解救出了灵魂。 大卫 健美的体魄、英俊的面容、平直而倔强的鼻子、坚定的双唇，使大卫成了正义与力量的化身。 他的形象要求观者从雕像右侧开始顺时针变换位置观看：在一头卷发的框定下，凝视远方、锐利而坚定的目光，仿佛特写一般的蹙眉，坚挺的鼻梁，紧闭的嘴唇，呈现出一脸刚毅；强壮的左臂和有力地握着投石器的左手展现出千钧一发的力量感；粗壮的右臂笔直下垂，但饱满的肌肉“阻止”松弛感，尤其是略微回收的手腕形成一种向上的牵引力，让手“停顿”右大腿外侧的中间位置，错落的手指握着投石器的另一端，其张力的态势与左手正相呼应，让蓄势待发极具现场感。[5] 标准的古典式站姿，人体结构与大理石体块感相得益彰的完美统一，整体的稳定性和细部的动力潜能相互配合。[5] 他神态平静，眼神却透着坚毅，头部微微左转，看似轻松，在颈部凸起的青筋中却可以看出他的力量与蓄势待发。他的上唇和鼻子附件的肌肉紧绷，眼睛全神贯注地望着远方。静脉从他下垂的右手上凸起，但他的身体却是放松的姿态，重量都放在右腿上，右手紧握住石头，左手前曲，托住肩上的机弦。放松的形态和神色与肌肉形成鲜明的对比。 [2] 雕像基本按照正常人体比例进行雕刻，仅在手部与头部进行了微微放大，而观赏者从仰视的角度观赏则刚好处于正常尺寸。 《摩西》、《垂死的奴隶》、《被俘的奴隶》这三尊雕塑就是在这个过程中诞生了，这三座雕塑很像是米开朗基罗当时的心情写照，看似是为教皇陵墓所作的，实则更像是表达自我情感的墓志铭。 《摩西像》创作于1513－1516年之间，其原形是犹太的先知。摩西是犹太人民族领袖，相传他受到了上帝的启示，于是回到埃及带领犹太人脱离奴役，从埃及一路逃到了迦南，结束了犹太人被奴役的生活。（迦南：以色列附近、位于约旦河和地中海之间的部分所组成的一个古代地区名称） 米开朗基罗的《摩西像》是对青年时期的摩西的一个想象式的创作，摩西被设计为人神兼备的形象。他既有人的外表与情感，又有着神一般的凝重尊严。他双唇紧闭，浪卷般的胡须生动的直垂下来，生动流畅又有些夸张。 摩西好像是在等待即将发生的一切，这是静中带动、瞬间要爆发的情感，这样微妙的内容被米开朗基罗深深的刻画了出来。 摩西表情威严端坐在椅子上，一双炯炯有神的双眼凝视着远方，头发上有两个看似“角”一样的形状，有艺术史学家称之为力量的象征。 他的形体姿态极具动感，肌肉饱满坚实。修长的手臂能够清晰可见突出的血管。这种极具创作意味的雕塑是米开朗基罗的又一个伟大的创新，为后世雕塑提供了很好的参考。 对比起《大卫》，《摩西像》似乎更像是他自己当时的心态，粗狂大胆，想要从世俗中逃亡，挣脱统治压迫与统治。这种带有艺术家独特风格的雕塑，也标志着米开朗基罗人性的成熟，在饱受磨难洗礼后的小米，对世界有了新的看法。 昼 夜 《昼》、《夜》、《晨》、《暮》四尊大理石雕像是米开朗基罗为意大利文艺复兴最重要的推动者美第奇家族的陵墓所作，创作时间为公元1520－1534年，是米开朗基罗艺术生涯中重要的转折点。这四件雕像所表达出的不安、紧张以及带有辛酸的屈从，正是作者当时心灵深处真实写照。 《昼夜晨暮》是圣洛伦佐教堂中最具盛名的艺术标志，在1520一1534年，在整整15年的时间里，这个工程断断续续、反反复复，米开朗基罗用15年的时间，在一起向世人证明了自己傲人的才华，四尊雕塑像是家族的守护者一样永远定住在棺盖之上，无论岁月如何，他们都一样朝夕更替。 位于尼摩尔公爵朱利亚诺·美第奇陵墓前的是《昼》与《夜》的一对男女雕塑，中间位置那个非常眼熟的就是朱利亚诺公爵，你看着是不是非常熟悉，没错，这就是美术生们经常画的小卫。左边的女神是《夜》，一个身材匀称有些成熟的年轻女性，身体柔美柔软，略微有些开始松弛肌肉将成熟女性的身材刻画的十分写实。她右手抱头沉思，似睡非睡，好像是在思考着什么事情，脚下的猫头鹰正在暗示黑夜的来临。她的周身都显出一种疲惫之感，也许只有黑夜来临之际，她才能得到片刻的宁静。 右边的雕塑是《昼》，这是一尊极具阳刚之气的雕塑，肌肉丰沛结实，身体充溢着无限的力量之感。雕塑整个身体倾斜向内，头转向于外侧，犹如在清晨中刚刚苏醒一般。这尊雕像眼睛圆睁着，好像正在去打量这个崭新的一天，面容中充满了对生命的渴望。 晨 暮 在另一组雕塑中，是《晨》与《暮》，这是被安放在洛伦佐·美第奇的陵墓上方。《晨》所表现的是一位年轻女性，她斜倚着一侧，在清晨中醒来，表情中还带有些许的困意。女子的身体稍显丰满且富有弹性，相比《夜》中的女性来讲，更具有一丝朝气，周身充盈着一种青春之感，但其面部的神情中仍带有忧愁，那是一种涉世不深，对崭新世界的担忧少女情感。1562年，已经87岁的米开朗基罗被他的徒弟乔尔乔·瓦萨里邀请到迪亚诺学院，也就是佛罗伦萨美术学院，他成为了学院的名誉院长。 米开朗基罗晚年基本都生活在罗马，于 1564 年 2 月 18 日自己的工作室中去世，终年89岁。 米开朗基罗虽然年少成名，但鲜少有顺利的时候。纵观他的一生，几乎所有创作历程都非常坎坷，甚至是不随人愿。在《创世纪》之后他便成为了权贵手中的匠人，人人都欣赏他的才华，却没有人能够真正的体会到一个艺术家渴望创作的内心。 也许只有他这样的人物，才能将逆境化为顺境，将一些陵墓陪葬等等作为举世瞩目的艺术珍品。 纵观米开朗基罗的一生是幸运的，他的才华能够被世人所见，成为了文艺复兴中不可缺少的人物，在雨后春笋般的复兴时期迎来了自己的巅峰。他的一生也很不幸的，因为直来直去的性格却总是不能自由洒脱，永远要按照别人的想法去创作。 今天我们再来看他，必定会有很多种不同的解读。但在我看来，他就是一个永远充满活力的直率的男孩，一个肯为艺术献出自己生命的伟大的艺术家。 名为《隆达尼尼的哀悼基督》的作品，自 1550 年始，至 1564 年米开朗基罗生命结束为终，历时十多年。保留着雕凿痕迹的这座雕塑，是一件已经完成的作品，抑或是即将完成的作品，无人知晓。或许，作品是否完成，并不重要，被刻在石头上的跨越半个多世纪的细微变化，才更具深意。二十多岁的米开朗基罗，深受新柏拉图主义影响，其刻刀下的《哀悼基督》，追求着显而易见的近乎完美的经典样貌；八十余岁的米开朗基罗，不再受“完美”所困，他细腻体悟着丧子母亲的感受，试图回归并还原人本主义的情感现场。 由《哀悼基督》到《隆达尼尼的哀悼基督》，是雕塑风格的变化，也意味着米开朗基罗的起伏人生，那刀刀刻痕，无不隐喻着一位雕塑家丰富生动的生命历程。1564 年 2 月初，米开朗基罗又一次站到大理石前。这一次，石块比以往更加坚硬，他雕凿的更加吃力，但他始终无法丢下手中的凿子，如其所说：我在大理石中看到了被禁锢的天使，只有不停地雕刻，才能让他获得自由。 离世前数月，米开朗基罗毁掉了一些草图、速写和不完善的雕塑，遗作《隆达尼尼的哀悼基督》被保留了下来。这位对作品要求极为严苛的雕塑家，极尽完美，他不想让后人看到，众人口中的“天才”竟也经历了无数次的尝试与无尽的辛劳。 1549年，已近80岁的米开朗基罗开始着手创作《隆达尼尼圣母怜子》，直到生命的最后时刻，他都在修改这尊雕像。这是米开朗基罗艺术生涯最末期的作品。已近80岁的米开朗基罗开始着手创作《隆达尼尼圣母怜子》，直到生命的最后时刻，他都在修改这尊雕像。这是米开朗基罗艺术生涯最末期的作品。他所有的雕像作品，都充满痛苦，仿佛像从石头禁锢中解脱。但米开朗基罗直到晚年，才真的从中解脱。因为艺术已经无法满足他，他追求的是永恒。 该死的这双手，该死的时光流逝，该死的孤独寂寞，还有该死的大理石!只愿我所有的创作不曾留下，因为我做的还不够，该死的我，竟敢模仿上帝，创造生命，而未尽力活出自己的人生。 ——米开朗基罗自述 《隆达尼尼圣母怜子》没有优美均衡的结构，也没有光洁的外貌，就连人物的造型也是采用高度概括的手法，与其年轻时的“圣母怜子”截然不同。《隆达尼尼圣母怜子》只有基督和圣母两个人物，圣子基督显得异常虚弱，勉强站立，圣母玛利亚在他身后，竭力想要支撑起基督，圣母子相互支撑，在雕塑中几乎合二为一。细长的、晚期哥特式风格的基督和圣母的身体脱离了此前那种完美、理想化的人物造型，即将战胜死亡阴影的基督与他哀伤的母亲的形体合而为一，尚未完成的躯体仿佛从石材中挣脱出来。 米开朗基罗的雕像浑然一体，有一种由内向外不被约束的力量，在他看来，雕塑是将人体从“石头的牢狱”中解放出来，雕塑这种形式所表达的就是一种激烈冲突，而这正是其"神圣而痛苦”的所在。 四个不同阶段对同一主题的创作，米开朗琪罗将自己对人生的理解融入作品。无论是意气风发、年少气盛时对唯美身体的极致追求，亦或风华正茂的中年时对艺术更加深刻的理解与思考、还是风烛摇曳的晚年时对生命孱弱的感受，都是对生命、死亡、救赎与重生进行的诠释和反省。 米开朗琪罗用大理石和手中的刻刀，传递着对艺术之外的人生乃至生命的思考，留给观者无尽的思索和感动。 “” Faithin oneself is the best and safest course. —— Michelangelo 最好的进路是相信自己。” —— 米开朗基罗 287928.0 $