第14课 人性的崛起——文艺复兴美术 达芬奇 课件-2025-2026学年高中美术人教版（2019）美术鉴赏

Leonardo Da Vinci 高一美术 文艺复兴美术-达芬奇 1 Leonardo da Vinci （达芬奇） （Leonardo da Vinci，1452年－1519年）意大利文艺复兴全盛时期著名的艺术家。 他还是科学家、发明家，擅长绘画、雕刻、发明、建筑，通晓数学、生物学、物理学、天文学、地质学等，现代学者称他为“文艺复兴时期最完美的代表”。 达·芬奇所言的人和世界的关系：画家是自然和人之间的中介者，是自然创造物的再现者…他象镜子一般真实地映摄自然形象。 1452.4.15-1519.5.2 2 3 4 Bird flying manuscript （鸟类飞行手稿） 5 6 7 water （流体） 8 9 1452年达芬奇出生在意大利佛罗伦萨附近的一个小镇上。达芬奇的父亲是当地有名的律师。优越的家庭环境使达芬奇从小接受了良好的教育 达芬奇勤奋好学善于思考。父亲希望他成为一个学识渊博的律师，但是达芬奇特别爱好绘画，时常到街上去写生，邻居们都称赞他是小画家 14岁那一年，全家来到了佛罗伦萨。在达芬奇的一再央求下，父亲把他送到一个艺术工厂去学艺。他的老师就是这个艺术工厂的著名画家和雕塑家韦罗基奥。起初，老师只让他学画鸡蛋。 达芬奇按照要求每天对着鸡蛋画，画了一天又一天，他有些不耐烦了。他问老师为什么老是画鸡蛋呢？韦罗基奥告诉他画蛋可不简单呐，1000个鸡蛋中没有两个形状完全相同。 即使是同一个鸡蛋，如果变换一个角度或者照射的光线不同，它的形状也不同了，这是绘画的基本功。这可以训练手和笔让他们熟练的服从大脑的指挥，达芬奇豁然开朗，从此他刻苦练习绘画的基本功，绘画技巧突飞猛进。 不久，韦罗基奥接受市政厅的委托要完成一幅基督受洗的油画，再画两个天使时，他对天使的造型犹豫不决，这时达芬奇走了上来要求试一下，结果他把画面上的天使画的充满了灵性。 作品拿出去展出时人们一致认为这是韦罗基奥画过的最好的人物肖像，韦罗基奥非常惭愧，据说从此以后，韦罗基奥放弃绘画只是专心的搞他的雕塑了。 （湿 壁 画 176.9×151.2 厘 米，乌 菲 兹 美 术 馆 藏） 在这幅画上，达芬奇奉老师之命，只画了左侧两个小天使中左边一个，可是就这一个侧面形象的天使，从人物造型和脸部的神情表现来看，要比老师所画的其他几个人物生动得多。达芬奇着重描绘的是一个天真无邪、毫无神秘色彩的儿童形象。儿童头部的卷发、身上的衣褶以及他与据说也是他画的后面的自然背景之间的和谐关系，给人以极其真实可信的感受。尽管是初露头角，但可以看出达芬奇在人体结构与自然形象方面的深入探究，已经优于他的老师。色彩表现符合规律，形体的写实性十分强烈，因而给人以神态毕肖的印象。画布上这个跪着的小天使，目光炯炯有神，他认真而又好奇地注视着眼前所发生的事件。这一切似乎使他深入幻想的境界。当老师委罗基奥看了之后，也颇有自愧勿如的心情。自此以后，达芬奇又被老师介绍给一位在陶器釉绘上有独特技艺的画家卢卡·德拉·波比亚，让达芬奇进一步向这位色彩大师学习绘画的技艺。 10 受胎告知 这是一幅木板上的油画,现藏于佛罗伦萨乌菲齐博物馆。描写的是《新约全书·马太福音》第一章第一节马利亚受圣灵感动的故事,它属于达芬奇早期的杰作之一。圣经上说,马利亚许婚了木匠约瑟后,没有同房,就受到圣灵感召而 怀了孕。在路加福音第一章中是这样记载的:天使加百列奉神的差遣,往加利利的一座城去,这城名叫拿撒勒。到一个童女那里,是已经许配大卫家的一个人，名叫约瑟,童女的名字叫马利亚。天使进去,对她说:承蒙大恩的女子,我问你安,主和你同在了。马利亚因这话很惊慌,又反复思想这样问安是什么意思。天使对她说:马利亚,不要怕,你在神面前已经蒙恩了,你要怀孕生子,可以给他起名叫耶稣。 达芬奇二十一岁的作品，受胎告知 画面整体风格严肃，达芬奇用科学家的观点追求写实的风格，天使脚下的庭院开满花卉，从圣母玛利亚的生产日期倒过来推算，当时应该是春天，有百合鸢尾花、等春天的花朵。为了描绘细节，将许多衣物褶皱的素描作品重叠在一起，提高了作品的真实感。这幅画，随着观看角度的不同，手的位置还有与桌子的局里都会不同，是经过精密计算出来的。 13 《自画像》是达芬奇的素描精品。在达芬奇的艺术遗产中，大量的素描习作也颇值得重视，这些素描和他的正式作品一样，同样达到了极高的水平，被誉为素描艺术的典范。在这幅《自画像》中，画家观察入微，用的线条丰富多变，刚柔相济尤其善用浓密程度不同斜线表现光暗的微妙变化，此画用线生动灵活，概括性强，简单的寥寥数笔却包含许多转折，体面关系，发线代面，立体感很强，还有，人物的表情也很传神。 1504年，达芬奇和米开朗基罗受命在佛罗伦萨维奇欧宫五百人大厅的墙壁上绘制雄浑壮阔的战争场景，创作了著名的壁画《安吉里之战》，希望借助这幅作品将佛罗伦萨军队1440年上演的经典战役再次呈现在世人面前。由于一些原因，这幅用油画颜料创作的壁画最终未能完成。但与达芬奇同时代的人认为，《安吉里之战》无疑是他最伟大的绘画作品。 14 《施洗者圣约翰》是达芬奇的名画之一。画作取材于圣经中的人物：布道者约翰奉上帝之命，将为耶稣施以洗礼，当他舀起约旦河的圣水为耶稣洗礼时，天空突然豁然开朗，有一鸽子形状的圣灵显现在被启开的天空中。从此约翰紧随耶稣布道，得名“施洗者圣约翰”。画面上，漆黑的背景上，施洗约翰上身裸露着，而整个身子没入黑暗里，只有从右肩到胳臂、脸部、右手以及隐约可见的左手，暴露在照明之中。施洗约翰头发很长，宛如一个青年牧羊人，他一手拿着十字架，一手指向天空，脸上露出狡黠而神秘的微笑。这幅画虽属传统题材，人物和背景的描绘却前所未见。事实上，施洗约翰在茫茫黑暗之中指着天国，揭示了画家此时内心的苦闷与彷徨。 抱貂的女子：（板 上 油 画 克 拉 科 查 托 斯 基 美 术 馆 藏） 此幅精美的肖像画，描绘了气质高贵、外表文静的切奇利亚·加勒兰妮，她是米兰的多维哥·史弗萨公爵的情 妇，备受宠幸。画家运用光线和阴影衬托出切奇利亚优雅的头颅和柔美的脸庞，怀中抱着的毛色光润、形态逼真的 白貂使画面生动了起来。白貂在这里取其象征意义，成为他的个人化身，达芬奇的肖像画真正做到了形神兼备而 得到世人的推崇。 15 《维特鲁威人》是一幅达芬奇依照维特鲁威定律所作的钢笔画素描，画在一张13.5×9.5英寸的纸上，现藏于威尼斯的学院美术馆。之所以藏在威尼斯，大概是因为弗拉·乔康多于1511年在威尼斯印刷了关于维特鲁威的作品的对开本，里面有一张依照这幅素描所作的版画。素描的上面和下面都是手写的小字，画中描绘了一男子，他摆出两个明显不同的姿势，这些姿势与画中两句话相互对应。第一个双脚并拢、双臂水平伸出的姿势诠释了素描下面的一句话：“人伸开的手臂的宽度等于他的身高。”另一个叠交在他身后的姿势是将双腿跨开，胳膊举高了一些，表达了更为专业的维特鲁威定律：如果你双腿跨开，使你的高度减少十四分之一，双臂伸出并抬高，直到你的中指的指尖与你头部最高处处于同一水平线上，你会发现你伸展开的四肢的中心就是你的肚脐，双腿之间会形成一个等边三角形。画中摆出这个姿势的男子被置于一个正方形中，正方形的每一条边等于24掌长，而正方形被包围在一个大大的圆圈里，他的肚脐就是圆心。这幅素描中所画的男子形象被世界公认为是最完美的人体黄金比例。 达·芬奇一生解剖了30多具人类尸体。从笔记上看，达·芬奇研究人体是有为了提高绘画技艺的目的的，“画家必须了解人体的内部结构……这样，画家才能够借助各式各样的肌肉，丰富笔下人物各种不同的姿态，而不至于像某些拙劣的画师，画出的人物虽然动作各异，但是胳膊、背部、胸膛和腿部却总是表现出千篇一律的造型。”(《达·芬奇笔记》)但后来他显然沉浸于其中，据史料记载，达·芬奇尸体解剖活动最频繁的阶段在1510年至1511年间，在几个月的时间里，他与当时帕维亚大学的教授合作，持续、系统地进行解剖，大部分解剖他都亲自操刀，画下18张解剖图，这18份手稿包含了240幅图和超过13000字的笔记。他解剖过动物、老人、男人、女人，据说还有婴儿，考虑到当时没有冷藏设备，以及工具、技术手段上的落后，可想而知其研究条件之恶劣，“（我们）要跟剥皮、分尸、惨不忍睹的尸体共度良宵”，同时还要承受一定的社会舆论压力，但达·芬奇的解剖手稿却超越时代局限，集令人惊叹的科学精确性与艺术审美于一体。他已经从简单的对人体构造的研究，深入到人体解剖学、医学领域，甚至是哲学的高度。 16 《岩间圣母》是达芬奇的一幅传统宗教题材画作。画中人物虽然被一团潮湿的空气所包围，但是人体的轮廓在昏暗山岩的衬托下还是能明显地辨析出来，尤其是画家着力描绘的面庞被刻意营造出的神秘气氛所笼罩，人物轻柔、温存、纯真的表情栩栩如生地突显出来。奇怪形状的悬石从湿漉漉的岩体上垂下，具有植物学准确性的花草从岩缝里穿凿而出，竟然能辨别出鸢尾花、银莲花、紫罗兰和一些蕨类植物。远处蓝色的天空透过岩体之间的孔洞和夹缝呈现在人们的眼前，年轻的圣母玛利亚以温柔的手搂抱着下跪的幼婴约翰，她的另一只手则向儿子耶稣伸过去，天使乌列面向着观众，把他们引向画中，用手指示着这个场面，一连串手势代表保护、指示、祝福等含义。这一组动作是按金字塔的构图原理组建安排的，塔顶是圣母的头，侧边是他伸出的双手，底角是天使和婴儿。达芬奇把结构看作打开作品意图的钥匙，这很大程度上形成了文艺复兴盛期的古典主义金字塔式的人物构图。 此画是岩间圣母第二副（第一副岩间圣母），在木板上，现为伦敦国立美术馆收藏。1482年达芬奇应圣弗朗切斯科教堂的邀请用蛋彩绘制祭坛画《岩间圣母》。用岩洞作圣母子的环境，有画中景和画外意：圣母子在大天使护卫下暂歇于岩洞，有一种安全感；选择岩洞作背景，起源于达芬奇记忆中的古佛罗伦萨采石场马雅诺，岩洞的深意在于宗教传说中圣者诞生的洞穴，内涵黑暗和光明，即指上帝的光辉是以圣母子为载体转化为人和他的苦难，让神圣的光明穿破黑暗，照亮世界。 第一幅作品是教会拒绝的作品，因为作品中缺少表示神圣人物的光圈，也没有画出施洗者约翰身份的象征十字架，虽然这是达芬奇追求写实的结果，但是当时的教会觉得这是不存在的，这场和教会的争议持续了二十年，最后达芬奇让徒弟画了一幅相同的画交差。 17 Mona Lisa （蒙娜丽莎的微笑） It is considered an archetypal masterpiece of the Italian Renaissance and has been described as "the best known, the most visited, the most written about, the most sung about, the most parodied work of art in the world". The painting's novel qualities include the subject's expression, which is frequently described as enigmatic,the monumentality of the composition, the subtle modelling of forms, and the atmospheric illusionism. 《蒙娜丽莎》现存在法国卢浮宫湿度适中的空调柜子里，有三层防弹玻璃保护，有专门的保镖，每年有600多万人来观赏她 法国国王路易十三得到《蒙娜丽莎》后，把它挂于家中，命令女儿模仿画中的笑容。公主们经过数年努力，终于将蒙娜丽莎神秘的微笑模仿得惟妙惟肖。 拿破仑占有《蒙娜丽莎》时，把它挂在卧室里，每日早晚独自欣赏，有时竟能在画前伫立大半天，浑然忘我。 1951年《蒙娜丽莎》到西班牙展出，西班牙元首佛朗哥亲临机场捧画，20万马德里市民化装成唐·吉诃德载歌载舞，夹道欢迎。 1954年《蒙娜丽莎》到英国，首相丘吉尔派6架飞机300名礼仪小姐专程将《蒙娜丽莎》从巴黎接往伦敦。据说，法国方面破例允许丘吉尔首相用手指抚摸《蒙娜丽莎》3次，但规定手指必须反复清洗并严格消毒。 1963年《蒙娜丽莎》到美国华盛顿展出，每个参观者要经过6道哨卡，接受各种仪器的检查。 1974年《蒙娜丽莎》在日本东京展出，每个参观者平均只能在画前站9秒钟。 全世界已发现《蒙娜丽莎》的赝品超过200幅，英国前首相撒切尔夫人就收藏了几幅，她表示实在太喜欢《蒙娜丽莎》，但她是一件孤品，所以只得收藏赝品以自娱。 1911年《蒙娜丽莎》从法国被窃，事发后大批访客来看曾经悬挂《蒙娜丽莎》的白墙；1913年佛罗伦萨一位古董商接到盗画者愿意出售《蒙娜丽莎》的信，要价50万里拉，落款“达·芬奇”；盗画者是佛罗伦萨人，声称是出于爱国动机才偷取《蒙娜丽莎》，要让《蒙娜丽莎》回家；接着，《蒙娜丽莎》先在意大利巡回展览，后不得不回到法国，人潮涌到法国火车站去迎接她。 背景：《蒙娜丽莎》是意大利文艺复兴盛期达芬奇的作品，文艺复兴确立了个人的价值，肯定了现实生活的意义。 内容：成功地塑造了资本主义上升期一位城市有产阶级的妇女形象。 艺术特点： 人物仪态安详、表情平静，双手刻画精确、丰满。金字塔形构图增加了人物的端庄和稳重。背景运用“空气透视法”使主题愈加鲜明。主要表现了女性的典雅和恬静的典型形象，反映了文艺复兴时期人们对于女性美的审美理念和审美追求。 意义： 《蒙娜丽莎》的美学意义，主要在于人物形象焕发出的人性的光辉；而在这之前，即使是人的形象，也带有或多或少的宗教气息。 馆藏：法国卢浮宫 油画 与《胜利女神像》、《断臂的维纳斯》并称卢浮宫三宝 18 这个妇人把右手轻盈的放在左手上，气定神闲，背景是充满幻想的风景画，她的嘴角带着神秘的微笑，几个世纪以来，蒙娜丽莎持续吸引了许多人来观看，这幅作品其实隐藏了李奥纳多精密的计算，比起那些长宽不一的图形，像正三角、正方形那样整齐的图形，总让人觉得美丽，人的脸部五官应该也有最理想的比例，他以古罗马建筑学为基础，思考着能取得平衡的理想姿势，完成了画作。 背景，眼前的山林是绿色的，远方的山林却笼罩着蓝色，达芬奇发现这是空气中的水蒸气造成的，他认为把背景的山丘画的又蓝又淡的话，可以更加真实地呈现出大自然原本的面貌，这种技法被称为空气远近法，相交之前就可以表现出更有层次，更细致的背景。 轮廓：轮廓线在大自然中并不存在，达芬奇发现了这个特点，在这幅画中，我们看到，他使用了“晕涂法”，来让坚硬的线条模糊化，就让人物和背景完美的融合到一起。 空气远近发和晕涂法，是从来没有人想过的划时代的发明，为日后的欧洲画坛产生的深厚的印象。 19 The Last Supper （最后的晚餐） 最后的晚餐 意大利 湿壁画 纵469×横880厘米 米兰圣玛利亚修道院藏 达·芬奇也把很多透视的规律理论化和系统化，并在实践中取得了非常显著的效果。在《最后的晚餐》中，不仅在画面空间之内营造了一个虚拟真实的晚餐场景。由于对这种新掌握的科学视觉效果的兴奋和表达欲望，他甚至把耶稣作为中心点连接起来的，背景中精准的横竖透视线条一直延伸到画面之外，整个画内外空间遥相呼应、融合，形成为一体化的真实的视觉磁场，画家眼内的世界和真实的世界似乎连接到了一起。 20 他说：我认为眼内形象的不可见的力量可以射到物体恰如物体的形象也投射在眼睛上一样。 回顾这样的历史和艺术家，我们试图从达·芬奇的片语只言中接近他曾经存在的温度和立场。但是我们恐怕还是要花更多的时间和精力才能稍微了解到更加具体一些的这位画家或者科学家、数学家等等。 今天的时代已经没有了土壤和机会让这样的伟人出现或者存在。但是我们可以做的是，空下来看看那些迷一般的日常笔记，或者有机会在只能短暂停留的米兰圣玛利亚教堂，凝视那幅巨大而光芒漫射的壁画。 只是为了让我们在这样一个艺术和文化平庸的时代，还能回忆起那个曾经有过的年代，那样的一个人，在纸上写过的那些话，以及墙上画下的线条和颜色，提醒我们，一个“人”可以到达的无限和超越了日常的永恒。 21 THANKS FOR WATHING 22 $